Bilety_po_iskusstvu_-_kopia

1
1.Образ художественной культуры Древней Греции. Храм Парфенон Афинского акрополя – как образец древнегреческой архитектуры.
2. Джаз – искусство ХХ века.

1.Древнюю Грецию (9 век до н.э. – 1 век н.э.) часто называют «колыбелью европейской цивилизации». Достижения в области математики и астрономии, физики и медицины, философии и истории сегодня хорошо известны во всех уголках Земли. Но не менее значительно её культурные достояния в архитектуре, скульптуре, поэзии, музыке, театральном искусстве.
Одной из характерных особенностей художественной культуры Древней Греции было отражение в ней мифологических представлений. Фантазия и живое воображение греков населили мир всемогущими богами и мужественными героями, которым они поклонялись и которых свято чтили.
Греческие боги имеют человеческий облик, они, как и люди, страдают от горя и радуются прелестям жизни, страстно влюбляются и люто ненавидят, совершают беспримерные подвиги и позволяют себе маленькие человеческие слабости. И живут они не в заоблачных мирах, а на реально существующем Олимпе, единственно чем они отличаются от людей, так это бессмертием, которое даёт им особый напиток амброзия. В честь олимпийских богов возводятся храмы и колоссальные статуи, разыгрываются театральные представления и слагаются гимны.
Высшие достижения древнегреческой архитектуры связаны с ансамблем Акрополя - общественного и культурного центра Афинского государства, созданного в классическую эпоху, в V в. до н. э. Акрополь (верхний город) находится на холме, он как бы парит над городом. Люди же жили внизу, их дома очень тесно лепились друг к другу, а в Акрололь заходили только с праздничной процессией раз в четыре года, во время праздника, посвящённого Афине (богиня справедливой войны) - покровительнице города. Многократно разрушенный, ограбленный и превращенный в руины, этот памятник «золотого века» античной культуры всё же и сегодня сохраняет величавость и стройность.
Вход в Акрополь осуществлялся через ворота Пропилеи из белого мрамора. Пройдя ворота Пропилеи, праздничная процессия горожан оказывалалась на большой площади, в центре которой возвышалась огромная бронзовая статуя Афины Промахос (то есть Воительницы), покровительствующей Афинам и греческому народу.
Останавливаясь перед статуей величественной богини, зачарованные греки поднимали свои взоры, чтобы взглянуть в её лицо. Торжественно восседающая на троне, она спокойно вглядывалась в город, раскинувшийся у подножия Акрополя. Возвращающиеся на родину моряки уже издалека приветствовали сверкающую на солнце Афину, а иностранцы трепетали перед этим символом величия Афин. Статуя богини, по всей вероятности, была творением гениального скульптора Фидия, руководившего работами на Акрополе.
На площади Акрополя находится главный храм Акрополя - Парфенон, посвященный богине Афине - покровительнице города.
Храм занимает самую высокую часть холма, а поэтому он виден отовсюду, из любой точки Акрополя и города. В плане Парфенон представляет собой прямоугольник (8x17 колонн высотой в 10,5 м). Дорические колонны наделяют его особой монументальностью и мужественной красотой.
Этот величественный храм, сложенный из белоснежного мрамора, поражает искусным мастерством обработки камня, он весь был украшен скульптурой. В древней Греции люди не заходили внутрть храма, они любовались им только снаружи, в храме помещалась статуя бога и пребывали жрецы.
В святилище Парфенона, по преданию, находилась двенадцатиметровая статуя Афины Парфенос (Девы), выполненная из слоновой кости и тонких золотых пластинок. На северном склоне холма находится главное святилище Акрополя - храм Эрехтейон. Он был воздвигнут в честь Афины и Посейдона на том месте, где, по преданию, проходил их спор за обладание Аттикой. Выиграла спор Афина, так как она дала грекам оливковое дерево, Особенностью Эрехтейона является его совершенно необычная для греческого храма сложная асимметричная планировка.
Храм украшают скульптуры кариатид - девушек, торжественно поддерживающих карниз. Таким образом, кариатиды выполняли конструктивную роль, заменяя колонны. В то же время они производят на зрителя особое эстетическое впечатление. Их фигуры величавы и спокойны, красивые складки одежд драпируют стройные тела. Может быть, именно так шествовали жрицы, неся на голове корзины со священными атрибутами?
Итак, упорядоченность, пропорциональность, строгая ритмичность, соразмерность всех частей сооружения давала ощущение красоты – это главные отличительные черты древнегреческой архитектуры.

2. Джаз (от англ. Jazz – обдряющий выкрик у негров) направление в музыкальном искусстве, возникшее в начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Истоки возникновения джаза следует искать с момента завоза рабов из Африки на территорию Нового Света. Привезённые рабы не были выходцами из одного рода и обычно даже не понимали друг друга. Необходимость консолидации привела к объединению множества негритянских культур и, как следствие к созданию единой культуры афроамериканцев. Характерными чертами джаза является импровизация, то есть сочинение на ходу, (это музыка без нот, так как негры не знали музыкальной грамоты), полиритмия – одновременное сочетание различных ритмических рисунков; специфическая тембровая окраска голоса и звучащих инструментов. Для любой африканской музыки характерен очень сложный ритм, музыка всегда сопровождается танцами, которые представляют собой быстрые притопывания и прихлопывания. В основе джаза лежат жанры афроамериканской культуры: спиричуэл и блюз. Спиричуэл в переводе с английского означает духовный, церковный. Негритиянский спиричуэл – это духовный хоровой гимн, сочинявшийся на библейские сюжеты. Это жанр религиозного пения и танца, исполнение которого сопровождается ударами в ладоши, притопыванием, непринуждёнными телодвижениями. Спиричуэл негры исполняли коллективно, часто в форме вопроса – ответа. Блюз переводится с английского как меланхолия, уныние. В отличие от спиричуэл, блюз – это сольное пение. Он отражает личные переживания, повествует о конфликтах, которые возникали в жизни беднейших слоёв Америки. Выдающимися илполнителями джаза стали такие легендарныеартисты как Луи Армстронг, Элла Фитцджеральд. Первым американским композитором, который применил элементы джаза стал Джорж Гершвин – создатель первой национальной американской оперы о жизни негров «Порги и Бэсс». В дальнейшем развитие джаза происходило в двух направлениях: в сфере лёгкой музыки привело к созданию рок-музыки, а в сфере серьёзной музыки - к симфоджазу (джаз исполняет симфонический оркестр).
Билет № 2
1.Идеалы в скульптуре Древней Греции. Поликлет «Дорифор», Мирон «Дискобол».
2. М.И.Глинка – основоположник русской классической музыки
1.Греческое искусство проникнуто любовью к Человеку, интересом к его внутреннему миру. Человек всегда оказывался в центре внимания художников.
1.У греков существовал свой идеал человека, в котором были воплощены духовная красота, очарование, молодость и здоровье. «Совершенствуй своё тело и веди себя достойно», «В здоровом теле здоровый дух» - говорили греки и строго следовали этому правилу в собственной жизни. Не к всемогущим богам обращали они тогда свои взоры, они искали подобных людей в повседневной жизни среди обычных горожан.
Интерес к Человеку нашёл особенно яркое воплощение в скульптурных произведениях греческих мастеров - Мирона и Поликлета.
Излюбленный образ античного скульптора - стройный юноша атлетического телосложения, которому присущи «все добродетели». Его духовный и физический облик гармоничен, в нём нет ничего лишнего, «ничего сверх меры». Самое сложное что научились изображать древнегреческие скульпторы – это движение человека, которое они наблюдали во время олимпийских игр, где юноши выступали обнажёнными и вход женщинам был строго запрещён.
Воплощением идеала в греческом искусстве стало замечательное произведение скульптора Поликлета «Дорифор» в переводе с греческого означает – атлет, несущий копьё, копьеносец (середина V в. до н. э.). Это греческий образец совершенного человека, в котором удивительным образом сочетаются идеальная физическая красота и одухотворённый облик. Юный атлет держит на плече тяжёлое и длинное копьё. Спокойно и уверенно стоит он на земле, опираясь на правую ногу. Его лицо задумчиво, спокойно и благородно, осанка естественна и величава. Известно, что Поликлет поставил цель точно определить пропорции человеческой фигуры, согласные с его представлениями об идеальной красоте. Вот некоторые результаты его математических вычислений, которые будут использовать скульпторы последующих поколений – головачеловека долхна составлять 1/7 всего роста, лицо и кисть руки – 1/10. Свои расчёты Поликлет изложил в книге «Канон».
Обратимся ещё к одному шедевру древнегреческой скульптуры, знаменитому «Дискоболу» скульптора Мирона. В образе юноши-атлета мастерски воплощены черты прекрасного и гармонически развитого человека, в котором красота физически тренированного тела сочетается с нравственной чистотой и духовным благородством. Энергичным поворотом левого плеча вперёд он приготовился к метанию диска. Кажется, автора интересует не столько физическое усилие атлета, сколько его волевая сосредоточенность и сила духа. Человек испытывает колоссальную физическую нагрузку, но при этом остаётся внутренне спокойным и сдержанным. Запёчатлённое мгновение делает это произведение вечным и непревзойдённым памятником искусства.
2 . Михаи
·л Ива
·нович Гли
·нка (1804 1857) русский композитор, основоположник русской классической музыки. В русской музыке есть три направления: музыка народная самое древнее направление, музыка духовная насчитывает более тысячи лет с 988 года – крещения Руси и музыка классическая композиторская. Третье направление классическая музыка - самое молодое, ему всего около 200 лет и начинает его М.И.Глинка. Сочинения Глинки оказали сильное влияние на последующие поколения композиторов, на членов «Могучей кучки», П. И. Чайковского, развивавших в своей музыке его идеи. Самая главная идея композитора состоит в том, что в основе классической музыки должна лежать русская народная музыка. Глинка говорил, что сочиняет музыку народ, а композиторы её только аранжируют (то есть обрабатывают). Глинке было нелегко, ведь в России в то время не было ещё никаких музыкальных учебных заведений, уроки приходилось брать у иностранцев. Учился он на музыке Моцарта и Баха. М.И.Глинка создал две оперы: «Жизнь за царя» героико-патриотическую самую первую национальную оперу и «Руслан и Людмила» по поэме А.С.Пушкина -сказочную. Необычайно ярко в опере «Руслан и Людмила» нарисованы сцены в замке волшебницы Наины, садах Черномора, звучат русские и восточные мелодии. Опера очень красива по своей музыке и художественному оформлению. Помимо этих двух опер Глинка написал много романсов, песен на слова Пушкина, Жуковского, Лермонтова, а также других произведений как для оркестра, так и для фортепиано.
Билет № 3
1. Образ художественной культуры Древнего Рима. Особенности римской архитектуры (акведуки, термы, форум, амфитеатр, Колизей, триумфальные арки и колонны). Пантеон – отражение идеи славы и величия Древнего Рима.
2. «Жизнь за царя» М.И.Глинки -- первая русская национальная опера.
1.Более двенадцати столетий (с 8 века до нашей эры до 5 века нашей эры) насчитывает история Древнего Рима. Она оставила человечеству богатейшее культурное и художественное наследие: грандиозные архитектурные ансамбли, новые типы инженерных сооружений, реалистические скульптурные портреты, замечательные фрески, мозаики, произведения декоративно-прикладного искусства, систему римского права, интереснейший опыт в области театральных и зрелищных представлений. Архитектура должна была служить идее возвеличивания Римской империи и римляне были замечательными строителями, они изобрели бетон.
Покорение римлянами Греции в I в. до н. э. произвело колоссальный переворот в жизни Рима. Непреклонный и гордый Рим вынужден был признать величие культурных традиций Древней Греции.
Искусство Древнего Рима сумело не только унаследовать, но и творчески развить лучшие достижения древнегреческих мастеров, создав собственный оригинальный стиль и неповторимую индивидуальность.
Римский Форум
«Все дороги ведут в Рим» гласит древнее изречение. В нем заложен не только буквальный смысл, но и выражено величие центра огромной Римской империи. Здесь, в Риме, велось строительство огромных масштабов.
Форум стал центром деловой и общественной жизни города. Здесь проходили народные собрания, решались важнейшие вопросы войны и мира, управления государством, заключались торговые сделки, слушались судебные разбирательства, кипели страсти. На территории Форума было множество зданий, памятников и статуй. Здесь был величественный храм Сатурна, где хранилась государственная казна. От Форума начинались важнейшие дороги государства, к нему сходились основные улицы города. Каждый новый император стремился превзойти предыдущего в пышности и богатстве сооружений, каждый достраивал новые ссоружения на форуме.
В центре обширной площади форума Траяна возвышалась конная статуя Траяна из позолоченной бронзы.
Но самым замечательным памятником на Форуме была 38-метровая триумфальная колонна Траяна. Она представляет собой мраморный цилиндр, водруженный на кубический постамент. Сверху донизу колонна спирально покрыта рельефами, рассказывающими о военных походах императора Траяна против придунайского народа даков. Длина рельефов достигает 200 м. Разбивка военного лагеря, осада города с помощью машин для метания каменных ядер, полные эмоциональной напряженности сцены сражений вот их основные сюжеты. Искаженные лица раненых и убитых, ожесточенные лица сражающихся воинов, фигуры пленных, просящих на коленях пощады. Это величественное сооружение призвано было прославить не только самого императора, но и мощь всего государства. В XVI в. Папа Римский Сикст V дал указание заменить статую траяна на вершине колонны на статую Святого Петра.
Со временем Форум был полностью заброшен, часть обрушившихся зданий использовалась жителями для строительства домов, а большинство строений было уничтожено. В Средние века на этом месте пасли скот, а впоследствии Форум был полностью предан забвению. Лишь в начале XX в. археологам и архитекторам удалось восстановить этот грандиозный ансамбль, остающийся молчаливым свидетелем великолепия «вечного города» Рима.
Пантеон «храм всех богов»
Одним из шедевров римского зодчества является Пантеон «храм всех богов», построенный в Риме (около 125 г.). Он не имеет аналогов в древнеримской архитектуре. Главная его достопримечательность грандиозное купольное перекрытие, достигающее в диаметре 43,2 м. Своими размерами купол Пантеона превосходит все крупные своды, построенные в последующее время.
К цилиндрической части храма примыкает глубокий портик с двускатной крышей, которую поддерживают монолитные колонны коринфского ордера. В настоящее время именно в Пантеоне создана усыпальница великих людей Италии. До сих пор поражает и гениально найденная соразмерность пропорций храма. Диаметр здания равен его высоте. Наружный облик храма отличается простотой и благородством.
Иначе выглядит внутреннее убранство с его сложной и богатой отделкой. Пол выложен разноцветными мраморными плитами. Переступая порог храма, посетитель ждет торжественного полумрака, но его внутренний облик поражает светом, наполняющим все пространство. Свет льется через сферическое окно диаметром 9 м («глаз Пантеона»), перемещаясь в соответствии с движением солнца.
Колизей «чудо света»
Среди архитектурных сооружений Древнего Рима особый интерес представляют зрелищные постройки. Самая крупная из них Колизей, это амфитеатр, где разыгрывались пантомимы, происходили бои гладиаторов и укрощение диких зверей. Колизей (лат. «коллосеус» колоссальный) представляет собой огромную овальную чашу (188 х 156 м). В центре Колизея находится арена, окруженная ступенчатыми скамьями для зрителей, число которых доходило до 56 тысяч.
Стена Колизея высотой в 50 м сложена из крупных каменных блоков. Четыре яруса сводчатых арок опираются на скрытые в стене мощные столбы. Бесконечно повторяющиеся арки придают зданию монументальность и величие. Наружные стены украшены пилястрами трех архитектурных стилей. Своеобразным украшением Колизея были статуи, стоявшие в арках второго и третьего ярусов. Грандиозность масштабов этого сооружения дала основание римскому поэту Марциалу назвать Колизей чудом света. И сегодня руины Колизея поражают своими размерами и величием.
Триумфальные арки и общественные сооружения
Архитектурный облик Древнего Рима невозможно представить без триумфальных арок, воздвигнутых в честь побед в военных походах. Над аркой обычно взвивалась колесница, а мраморные стены украшали рельефы летящей фигуры богини победы Виктории, сцены походов и изображения взятых у врагов трофеев.
Триумфальная арка императора Тита ознаменовала его победу над восставшей Иудеей. Высокий пьедестал, на котором стоит двадцатиметровая арка, и четыре стройные полуколонны с изящными капителями на фасадах подчеркивают благородство памятника. Арка никогда не использовалась в качестве ворот, через нее имели право проезжать в своих колесницах только одержавшие победу военачальники.
Много веков спустя триумфальные арки перешагнут с римских площадей в другие города мира. Есть триумфальная арка и унас в Москве в честь победы над Наполеоном.
В особую группу архитектурных памятников можно выделить новые по тем временам инженерные сооружения: водопроводы {акведуки), огромные каменные мосты {виадуки) и дороги замечательные образцы единства архитектурных форм и конструкций. Сооружения в виде каменного или бетонного арочного моста, служившие для укладки водопроводных труб через глубокие овраги, ущелья и долины рек, были воплощением смелого архитектурного замысла и высочайшей строительной техники. Вместе с тем акведуки и виадуки составляли единое целое с окружающим пейзажем. Многие из них сохранились и служат до сих пор. Римская архитектура всегда стремилась к удовлетворению практических нужд человека. До сих пор вызывает восхищение строительство дорог римлянами. Они имели бытовое назначение, то есть служили средством сообщения и объединения людей, живущих на огромных пространствах Римской империи. Кроме того, дороги выполняли важную стратегическую роль во время многочисленных военных кампаний.
Знаменитая Аппиева дорога, вымощенная щебнем и бетонными плитами с добавлением для прочности вулканического пепла, хорошо сохранилась до нашего времени.
Среди крупнейших общественных построек Древнего Рима необходимо назвать здания терм (общественных бань), являющихся неотъемлемой частью любого города. Так, например, в Риме их насчитывалось великое множество: двенадцать больших императорских терм и сотни частных бань. Термы служили местом отдыха и развлечений, их посещение входило в повседневную жизнь римлян.
Поражает четко продуманная система водоснабжения и отопления в термах. Вода поступала из специального водопровода и отстаивалась в больших цистернах, ее можно было менять в течение нескольких минут. Горячий воздух от подземных печей быстро распространялся по трубам, вмонтированным в пол и стены банных помещений.
К сожалению, время не сохранило многое из архитектурных сооружений Древнего Рима, но и то, что предстает сегодня перед взорами многочисленных туристов, способно вызвать восхищение и донести до нас его былое величие и славу.
2. «Жизнь за царя» ( или по-другому «Иван Сусанин») первая русская национальная патриотическая опера, написанная Михаилом Ивановичем Глинкой. Это подвиг, труд всей жизни композитора. "Как бы по волшебному действию вдруг создался план целой оперы, и мысль противопоставить русской музыке - польскую; наконец, многие темы и даже подробности разработки - всё это разом вспыхнуло в голове моей". М.И. Глинка. Музыка, как и сюжет, в опере стала народной, основанной на принципах народного творчества. Опера имела успех. Опера посвящена подвигу Ивана Сусанина, ценой своей жизни спасшего юного царя Михаила Романова. В опере рассказывается о событиях 1612 года, связанных с походом польской шляхты на Москву. Премьера состоялась в 1836 году в петербургском Большом театре. Борьба против поляков приобрела всенародный характер. Враги были разбиты русскими ополченцами во главе с Мининым и Пожарским. Одним из ярчайших эпизодов этой борьбы явился подвиг крестьянина села Домнино Костромской губернии Ивана Сусанина, о котором рассказывают многочисленные костромские предания. Величавый образ крестьянина, ставшего символом героизма и патриотической верности, воплощен в опере как живой народный тип, наделен богатством мысли, глубиной чувств, показан на широком фоне русской народной жизни и природы. Крестьянин Иван Сусанин узнает, что его боярина Михаила Романова собор избрал на Царство. Тем временем поляки вынашивают коварный план покорить Россию, захватив молодого только что избранного народом шестнадцатилетнего царя Михаила Романова в плен. Поляки появляются у дома Ивана Сусанина и требуют, чтобы их проводили к царю короткой дорогой через лес. Иван Сусанин притворно соглашается. А про себя думает: "Пойду, пойду. Их заведу в болото, в глушь, в трясину, в топь". Очень важна в опере ария Ивана Сусанина перед смертью. Среди болот, когда поляки поняли, что их обманули, они в ожесточении забили Ивана Сусанина до смерти, но и сами не смогли выбраться.
В конце оперы, в эпилоге Глинка показывает нашу победу, всеобщее ликование, толпы народа в праздничных одеждах с хоругвями и иконами медленно проходят по Красной площади и славят героев. Звучит знаменитый гимн "Славься, славься, Святая Русь". Характерной особенностью оперы является использование интонаций русской народной музыки, впервые композитор вывел на сцену простых русских крестьян и показал красоту души русского народа. В этом и состоит подвиг русского композитора Глинки, что в то время когда на русской сцене было засилье европейской безсодержательной музыки, он пишет глубокую патриотическую музыку и указывает этот путь для всех последующих поколений русских композиторов.

Билет № 4
1. Образ художественной культуры Древнего Рима. Особенности древнеримской скульптуры. Римский реалистический портрет.
2. Многообразие жанров русской народной песни.
1. Более двенадцати столетий (с 8 века до нашей эры до 5 века нашей эры) насчитывает история Древнего Рима. Она оставила человечеству богатейшее культурное и художественное наследие: грандиозные архитектурные ансамбли, новые типы инженерных сооружений, реалистические скульптурные портреты, замечательные фрески, мозаики, произведения декоративно-прикладного искусства, систему римского права, интереснейший опыт в области театральных и зрелищных представлений.
Скульптурный портрет одно из главных завоеваний римской художественной культуры. Он точно передает портретное сходство и сложность соотношения между физическим и духовным миром человека.
За несколько столетий мастерами было создано великое множество скульптурных портретов. Они чрезвычайно разнообразны..
Если в художественной культуре Древней Греции преобладали скульптурные изображения богов и молодых атлетов, реальный же человек идеализировался, приукрашивался (например, как Перикл – правитель Афин, у которого был неправильной формы череп, изображался всегда в шлеме), то в эпоху Римской республики и империи повышенный интерес представляла личность государственного и общественного деятеля, которого изображали реалистично, совсеми его недостатками. Поэтому римский портрет называют реалистичесим.
В III в. до н. э. был создан один из лучших скульптурных памятников так называемый «Брут Капитолийский». Именно он стал для римских граждан образцом истинного римлянина, для которого чувство долга перед родиной превыше родственных чувств. Перед нами некрасивый и уже немолодой человек. Небритые щеки, тонкий и горбатый нос, нависшие густые брови, пряди заметно редеющих волос, глубокие складки, оттеняющие рот, плотно сжатые губы все эти детали призваны с максимальной точностью передать портретное сходство.
Множество статуй в честь прославленного римского императора и полководца Октавиана Августа было воздвигнуто еще при его жизни. Для римлян он стал подлинным эталоном гражданственности и патриотизма. Его изображали в самых различных позах, одеждах и государственных должностях. Одержавший множество военных побед, Август выступает с речью перед войсками. В облике жреца осуществляет священный обряд жертвоприношения. В одних статуях он представлен стоящим во весь рост, в других торжественно восседающим на царском троне. В статуе Октавиана Августа из Прима Порта удачно сочетаются не только индивидуальные, но и обобщенно-идеализированные черты римского императора. Гордая, величественная поза, ораторский жест правой руки, словно обращенный к легионерам, панцирь, украшенный аллегорическими рельефами, плащ, эффектно перекинутый через руку, держащую копье или жезл, все призвано подчеркнуть монументальность и значительность образа. Подобно греческим скульптурам, Август опирается на правую ногу, левая свободно отставлена назад. Уверенный и проницательный взгляд свидетельствует о силе и твердости характера.
В самом центре Рима, на одной из его главных площадей и сегодня возвышается бронзовая конная статуя императора Марка Аврелия, провозгласившего отрешение от всех земных благ ради величия и славы отечества. Современники не случайно называли его мыслителем и «философом на троне». В эпоху переоценки ценностей, в преддверии кризиса Римской империи он так выразил свое мироощущение:
«Время человеческой жизни миг, ее сущность вечное течение, ощущение смутно, строение всего тела бренно, душа неустойчива, судьба загадочна, слава недостоверна»
Римские мастера скульптурного портрета проявляли интерес не только к императорам, но и к достойным гражданам отечества. Среди них оратор Авл Метел, скульптурный портрет которого был выполнен из бронзы. Надпись гласит, что скульптура изваяна в честь известного политического деятеля. Мастер реалистически изобразил оратора в простой, но эффектной позе. Его ноги слегка расставлены, властный жест руки призывает к вниманию и тишине, на плечи небрежно наброшена тога. У него немолодое и некрасивое лицо, изборожденное морщинами, некогда инкрустированные цветным стеклом глаза выглядели живыми и выразительными. Перед нами свободный римлянин, сдержанный и деловой человек, исполненный чувства собственного достоинства, образ которого не нуждается в какой-либо идеализации

2.Русская народная песня песня, слова и музыка которой сложились исторически в ходе развития русской культуры. У народной песни нет определённого автора, это предмет коллективного творчества наших предков. Раньше вся жизнь русского человека проходила с песней, от рождения, когда звучали колыбельные песни до смерти, когда исполнялись особые плачи-причитания. Народная мудрость гласит: «В русской песне живет душа русского народа». Особая отличительная черта русских песен широта, распевность, а ещё отсутствие агрессивности. Русские люди, славяне издревле занимались миролюбивыми занятиями земледелием и скотоводством. Они не завоеватели, а защитники, так было во все времена. Вот строчки из старинной солдатской песни:
Вспомним, братцы, россов славу,

И пойдем врагов разить.

Защитим свою державу,

Лучше смерть, чем в рабстве жить.
Какая могучесть, исполинская силушка и в тоже время, открытость звучит в русской народной солдатской песне. Не случайно Россия сегодня испытывает огромный натиск, направленный на уничтожение русской культуры. Могущества России многие боятся: загадка русской души непонятна, ведь за ней кроется глубинное, сокровенное, что вынашивалось и защищалось веками нашими предками, истинная Православная культура. Великая любовь к своей высочайшей в мире культуре заложена в русской народной песне. Существует множество жанров русской народной песни:
Лирические (песни о природе, любви, женской доле и т.д.)
Исторические (связаны с историей России)
Трудовые (помогали в труде, описывают определённые трудовые действия)
Плясовые, хороводные;
Свадебные;
Колыбельные;
Обрядовые календарные (связаны с праздниками на Руси, например, святочные, масленичные, троицкие)
Солдатские (лирические и шуточные)
Частушки,
Былины, исторические песни;
Самым излюбленным жанром русской народной песни стали лирические песни, они всегда грустные, очень распевные, протяжные, задушевные, исполняя лирические песни русские люди отводили душу и становилось легче.

Билет № 5
1.Образ художественной культуры Византии. Архитектура (базилика, крестово-купольный храм). Храм Святой Софии в Константинополе.
2. Творческий путь В.А.Моцарта.

1.Византия подарила миру искусство, в котором глубочайшая духовность являлась мерилом истинной красоты. Возникнув в Константинополе – столице империи, оно оказало влияние на развитие культур таких стран как Сербия, Болгария, Грузия, Армения, Древняя Русь.
На современной карте этого государства нет. Оно прекратило свое существование в мае 1453 года, когда было завоевано турками. Византия возникла в 395 году, когда римский император разделил Римскую империю на 2 части: Западную и Восточную. Последняя была названа историками Византией. Византия – наследница Античности, она впитала в себя все достижения античной культуры. Именно византийские переписчики сохранили миру произведения Гомера, Эсхила, Софокла.
В чем богатство и многообразие византийской культуры? Каковы художественные особенности византийской культуры? В Византии состоялся переход от античного к христианскому храмовому искусства. Именно здесь впервые была преодолена чувственность античной земной красоты и родились христианские образы в зодчестве, мозаиках, иконописи, песнопениях. Византийские мастера стали творцами новых художественных ценностей, которые несколько веков спустя восприняла Древняя Русь. Какое архитектурное сооружение наиболее характерно для раннего этапа византийского зодчества? Это базилика - вытянутое прямоугольное здание, разделённое на несколько (3-5) нефов. Но постепенно в византийской архитектуре базилики были вытеснены крестово-купольными храмами. Они более вместительны, всё пространство хорошо обозреваемо. В плане такой храм квадратный, в центре четыре столба, которые поддерживают купол, пересечение линий образуют крест. С сорокалетним правлением императора Юстиниана в 6 веке связан необыкновенный подъём культуры. В Константинополе было выстроено 30 храмов, самый грандиозный собор Святой Софии – купольная базилика. Ошеломляющее впечатление на современников производил купол Софии ( диаметр купола 31,5 метра поднят на высоту 55 метров), золотой громадой спускающийся с неба. Внутреннее пространство поражало своей удивительной лёгкостью, искрящимися мозаиками, фресками. Сорок окон, прорезанных в основании купола, заливали всё пространство светом. В 15 веке мусульмане завоевали Византию и превратили собор в мечеть, пристроив рядом минареты. Замазав знаменитые мозаики и фрески штукатуркой.
2. Имя австрийского композитора Моцарта (1756-1791) стало синонимом гения. Его музыку называли солнечной. «Вечный солнечный свет в музыке, имя тебе - Моцарт! «По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая точка, до которой красота досягала в сфере музыки. Никто не заставлял меня плакать, трепетать от восторга, от сознания близости своей к чему-то, что мы называем идеал, как он» - говорил П.И. ЧайковскийЖители старинного г. Зальцбурга в 18 веке передавали друг другу потрясающую весть: в семье скрипача придворной капеллы Леопольда Моцарта растёт Чудо-ребёнок (вундеркинд) - мальчик исполняет пьесы с мастерством, недоступным и некоторым взрослым Музыкальная одарённость Вольфганга действительно была чудом. Первым учителем Вольфганга стал его отец - Леопольд Моцарт. С четырёх лет Вольфганг с увлечением играет на клавесине, родителям порой с трудом удавалось оттащить малыша от инструмента. Видя успехи сына, Леопольд решает везти мальчика в концертное путешествие по Европе. С семи лет Моцарт с сестрой Наннерль давал концерты при королевских дворах всей Европы. Во время концертов ему предлагались различные испытания, с которыми ребёнок блестяще справлялся, поражая публику. Его заставляют играть на клавесине с завязанными глазами, играть мелодию, которую кто-то напел или просвистел в зале. Занимала публику и внешность маленького виртуоза: мальчик был мал ростом, худенький, бледный, одетый в тяжёлый, вышитый золотом придворный костюм. В завитом и напудренном парике, как того требовала мода, он походил на волшебную куклу. В 14 лет Вольфганг стал членом Болонской академии, был возведён в дворянское достоинство и награждён орденом золотой шпоры. Находясь в Риме в Сикстинской капелле во время исполнения многоголосного хорового произведения, Моцарт запомнил его, и, придя домой, записал. Все были поражены уникальным слухом и музыкальной памятью молодого музыканта. Избрание Вольфганга в члены Болонской Академии было ещё одним необычайным фактом. За полчаса гениальный мальчик написал очень трудное многоголосное сочинение. Впервые в истории Академии её членом стал 14- летний композитор. За свою короткую жизнь Моцарт написал огромное количество (более 600) произведений разных жанров: три оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта», сонаты, вокально-инструментальные произведения, более сорока симфоний (среди них знаменитая симфония № 40). Но не всегда жизнь складывалась так счастливо как в детстве. В Вене-столице Австрии, куда переезжает молодой композитор, начинается новая, трудная, но прекрасная и свободная жизнь. Моцарт пишет музыку, даёт уроки, выступает на концертах. Последнее неоконченное погребальное произведение – «Реквием». Это музыкальное произведение траурного характера для хора с оркестром. В переводе с латинского языка означает покой, успокоение. Об этом произведении тоже сложены легенды. Так в своей маленькой трагедии «Моцарт и Сальери» А.С.Пушкин рассказывает об одной из версий смерти Моцарта, что он был отравлен придворным музыкантом Сальери, который безумно завидовал Моцарту. В то время как в разных городах Европы с триумфом исполнялись произведения Моцарта, Вольфганг влачил жалкое существование, вынужден был постоянно занимать деньги и давать концерты за мизерную плату. Когда композитор тяжело заболел, ночью явился человек одетый в чёрный плащ, в чёрной маске и заказал ему сочинить «Реквием». Композитора преследовал образ незнакомца, вот как охарактеризовал смятение его души Пушкин: «Мне день и ночь покоя не даёт мой чёрный человек. За мною всюду как тень он гонится» Фрагмент из письма Моцарта другу: «В моей голове хаос, лишь с трудом собираюсь с мыслями. Образ незнакомца не хочет исчезнуть с моих глаз. Я беспрестанно вижу его. Он просит, он настаивает, он требует работы. Я продолжаю, ибо сочинение музыки утомляет меньше, чем бездействие. Чувствую – моё состояние подсказывает это – мой час пробил. Конец придёт прежде, чем я смогу полностью проявить свой талант. А как прекрасна была жизнь! Но никому не дано изменить предначертанного судьбой, измерить дни своей жизни. Итак, я заканчиваю свою погребальную песнь. Я не вправе оставить её незавершённой». Музыка «Реквиема» не просто заупокойная месса, которая звучит в католическом храме на смерть близкого человека. В ней композитор, измученный постоянными жизненными невзгодами, передал свои размышления о жизни и смерти, о душе и о Боге. Моцарт умер в нищете, его похоронили в общей могиле для бедняков. Жена Констанция, убитая горем, не присутствовала на погребении, поэтому точное место захоронения не известно.
За прошедшие 200 лет со дня смерти композитора его музыка становилась всё более популярной, потому, что это источник чистой гармонии и красоты. В современных исследованиях учёные показывают, что даже молекулы воды под действием музыки Моцарта приобретают структуру в виде кристаллов. Музыка Моцарта помогает нам жить, она делает человека добрее, радостнее и счастливее. В последующей истории музыки нет ни одного композитора, который бы не испытал на себе влияние музыки гения, не учился бы у него мастерству.

Билет № 6
1.Образ художественной культуры Византии. Мозаика, иконопись, музыка.
2. Колокольные звоны России. Перечислить виды канонических звонов.
1. Византия подарила миру искусство, в котором глубочайшая духовность являлась мерилом истинной красоты. Со времён императора Юстиниана с 6 века сохранились уникальные мозаики. Это искусство было известно ещё с античных времён. Мозаики выкладывались на стенах храмов мелкими разноцветными кубиками из смальты (стеклянный сплав). Пример мозаики «Император Юстиниан со свитой». Характерные особенности мозаики:
совершенные композиционные приемы;
декоративность;
сопоставление контрастных цветов;
манера кладки смальты ровными рядами, образующими узор;
композиция всегда строилась с круга – сферы, нимба как символа небесного совершенства.
Искусство византийской иконописи.
При императоре Юстиниане в 6 веке в храме появились иконы. Что такое икона? По–гречески означает образ. Писался иконописный образ на доске (липовой, кипарисовой, сосновой) Постепенно сложились каноны (правила) росписи храма, с определением места фресок (писались по сырой штукатурке), мозаик, икон в интерьере. В самой верхней точке храма помещали мощную фигуру Спаса Пантократора (Вседержителя). Над алтарём изображали Богоматерь. Фигуры на православных иконах могли быть оглавными, оплечными, поясными и в полный рост. Самое же главное – в византийском искусстве сформировались основные иконографические типы изображения Иисусу Христа, богородицы, святых. Иконописцы должны были следовать установленным образцам. Следуя каноническим правилам, Богородицу изображали в четырёх разных видах (четыре типа изображения). Оранта – молитвенница за род человеческий, Великая Панагия (Всесвятая), Богоматерь Елеуса (умиление), Богоматерь Одигитрия (Путеводительница)
Шедевром византийской иконописи является образ Богородицы Владимирской. С 1155 года икона находится на русской земле, куда была лоставлена из Константинополя. Затем князь Андрей Боголюбский вывез образ в новую столицу Руси - Владимир, а затем перенесена в Москву. Заступничеству Владимирской Богоматери приписывают отражение многих вражеских нападени й на Русь.
Икона «Владимирская Богоматерь» - начало 12 века, «Христос Пантократор»- 14 век.
Характерные особенности икон:
фронтальность изображения (обращенность их к зрителю);
строгая симметрия по отношению к центральной фигуре Христа или Богоматери;
высокий лоб – средоточие духовного начала;
сияющий нимб вокруг головы;
пристальный, суровый взор увеличенных глаз;
декоративность и условность одежды, подчеркивающей бесплотность, бестелесность фигур;
цвет на иконах символичен, например, золотой выражает идею царственности, синий – божественность, белый – нравственную чистоту и невинность, зелёный – юность и бодрость.
Музыкальная культура Византии также развивалась в храме: хоровое мужское одноголосное пение без сопровождения музыкальных инструментов называлось византийским распевом, оно было суровым, строгим и очень величественным, ведь в нём распевались слова молитв. Выдающимся создателем церковных гимнов стал святой Роман Сладкопевец, служивший в 5 веке при храме святой Софии в Константинополе, он сочинил около тысячи гимнов.
Итак, основные достижения художественной культуры Византии:
Воплощение в жизнь крестово-купольного храма, синтез различных видов искусств в храме, ориентированность художественного языка на условность, символику, зарождение иконографии и нотного письма, преобладание духовного содержания над физическим совершенством.
Византийская культура не исчезла с падением Византийской империи, разгромленной турками. Она была воспринята как Божественный дар нашими предками и мы теперь являемся хранителями того огромного пласта мировой культуры, который когда-то создала православная византийская цивилизация

2. С принятием христианства на Русь пришли колокола и сразу стали символом державы и мощи духа русского человека. Колокол – это ударный музыкальный инструмент. Для того, чтобы колокол зазвонил нужно раскачать подвешенный внутри колокола железный язык, он ударит по краям колокола.
Колокола созывали народ на церковные службы и праздники, они оповещали людей о пожарах и нападении врагов. Каждый день утром и вечером, с раннего детства и до самого смертного часа человек слышал колокольный звон.
Русь издавна славилась искусством отливки колоколов. Только у нас отливали такие огромные колокола. Колокольные мастера пользовались особым почётом и уважением. Обучались мастерству долго, секреты его передавались из поколения в поколение.
Сохранившиеся древние колокола – это самые ценные исторические памятники православной культуры, декоративно-прикладного искусства, наконец, литейного мастерства.
Самый большой колокол – Царь-Колокол в Московском кремле. Он весит 200 тонн. Он никогда не звонил. При пожаре Москвы люди, боясь, что колокол расплавится, стали лить на него воду – от перепада температуры он треснул и от него откололся кусок весом 11,5 тонн. Стоит он сейчас в Московском Кремле и является уникальным памятником России. Для изготовления колокола готовили яму, обкладывали ее кирпичом и внутри устраивали печь для обжигания формы. В эту форму заливали колокольную медь. Церковные звоны делятся на 3 основных вида:
Благовест – три редких удара, медленных, а затем идут короткие, мерные удары, которые призывают к началу службы,
Трезвон – несколько или все колокола вместе
Перезвон – во все голоса, но по очереди. Звонарь перебирает все по очереди колокола.

Красный звон – целый день на большие праздники, на Пасху; венчальный звон; погребальный звон.
Колокола для России стали неотъемлемой частью жизни русского народа. Без них был немыслим ни один православный храм. Все события в жизни государства и Церкви освещались звоном колоколов.

Билет № 7
1.Древнерусское зодчество (Софийский собор Киева, Успенский и Дмитриевский собор Владимира, храм Покрова на Нерли, соборы Московского Кремля, собор Василия Блаженного).
2. Авторская песня.
1Политическим и культурным центром русской земли X-XI вв. был Киев – «мать городов русских». Стремление русских зодчих выразить в каменных храмах и дворцах мысль об объединении русских земель нашло выражение во внешнем и внутреннем убранстве соборов.Большое влияние на древнерусскую культуру оказала Византия, особенно после принятия Русью христианства в 988 году при князе Владимире. С христианством на Русь пришла крестово-купольная форма храма. Из Константинополя приглашались мастера для строительства храмов, создания икон и фресок; привозили богословские книги. Благодаря тесным контактам с Византией Русь познакомилась с многовековой христианской культурой. Но древнерусские мастера не стали слепо копировать византийских учителей. Создавая свои творения, они стремились отразить в них думы и чаяния русского народа. Главным мотивом древнерусского искусства был патриотизм, призыв к объединению народных сил против иноземных захватчиков. Патриотизм – это любовь к Родине, преданность своему Отечеству, своему народу.
Издавна на Руси крестьянские избы, княжеские и боярские терема, городские крепости строили из дерева. Древнерусское деревянное зодчество имело свои традиции. Обычно дома знати были многоярусными, они венчались (заканчивались) башенками и теремами. Многие элементы деревянных строений были украшены затейливой резьбой.
После принятия христианства на Руси началось строительство каменных храмов. Так как у русских зодчих не было опыта возведения каменных построек, то первые сооружения из камня были построены приезжими византийскими мастерами.
В 11 веке в Киеве был построен собор Святой Софии (1030-1040-е гг.). Этот храм, построенный при Ярославе Мудром, сочетал уже славянские и византийские черты. Высота собора – 30 метров. Можно представить какое впечатление производило украшение собора на простого киевлянина, живущего в деревянном доме-полуземлянке. Внутреннее убранство Софийского собора отличалось изысканностью и богатством. Стены были покрыты мозаикой и фресками – картинами, написанными водяными красками по сырой штукатурке. Фрески и мозаики отличались яркостью, искусным подбором тонов. На них, помимо церковных сюжетов, были изображены картины из обычной земной жизни – борьба ряженых, охота на медведя и т.д.
В 12 в. столицей Древней Руси становится город Владимир, первым здесь был построен пятиглавый Успенский собор. Сооружен в 1158-1161г. в центре города на высоком берегу реки. Собор стал основным звеном великолепного ансамбля. В архитектурном образе нового собора еще ярче выявилась идея духовной силы и царственного величия. Величавый и торжественный Успенский собор образно утверждал идею главенства Владимиро-Суздальской земли, превращая ее в столицу, в духовный и политический центр Руси. В 1408 собор был расписан Андреем Рублевым и Даниилом Черным. Часть из этих фресок сохранилась до наших дней.
В 12 веке в архитектуре господствующее положение занял одноглавый храм, например,церковь Покрова на Нерли – ещё один шедевр мирового зодчества, вершина творчества владимирских мастеров эпохи расцвета Владимиро-Суздальского княжества. Ее называют «белой лебедью» русской архитектуры, красавицей, сравнивают с невестой. Это маленькое, изящное здание построено на небольшом холме, на реке Нерль. Церковь Покрова на Нерли построена в 1165 году. Исторические источники связывают ее возведение с победоносным походом владимирских полков на Волжскую Булгарию в 1164 году. В этом походе и погиб молодой князь Изяслав – сын Андрея Боголюбского. В память об этих событиях Андрей Боголюбский заложил Покровский храм. Конструктивно храм Покрова на Нерли очень прост – это обычный для древнерусского зодчества одноглавый крестовокупольный четырехстолпный храм. Церковь не велика и удивительно гармонична. Храм внесен в список мирового наследия ЮНЕСКО.
В конце 15 века во время правления Ивана III русские земли освободились от ордынской зависимости и объединились в единое госудаство с ценром город Москва. В это время главной идеей развития нашего государства становится идея «Моска – третий Рим», то есть Москва становится главной хранительницей православной культуры. В это время строится Московский Кремль и в нём главные соборы: Успенский – монументальный, торжественный, пятиглавый, в нём венчались на царство все русские цари; Архангельский – нарядный, с морскими ракушками в закомарах и Благовещенский –с девятью золотыми главами, небольшой собор предназначенный только для царской семьи. Строительство велось под руководством итальянских мастеров – самых искусных в то время в Европе.
Прославленным во всём мире шедевром древнерусского зодчества является построенный в 1555 году на Красной площади царём Иваном Грозным в честь взятия Казани Покровский собор, больше известный как собор Василия Блаженного. В соборе девять разноцветных куполов, под каждым из которых располовен храм, храмы соединяются друг с другом переходами.
Итак, Древнерусское государство отличалось высоким для своего времени уровнем развития культуры. При этом Русь творчески переработала культурные достижения Византии, формируя свои самобытные культурные традиции. Древнерусская культура стала неотъемлемой частью мировой культуры.
2. В середине 20 века в нашей стране зародился новый жанр – авторская песня. Создатели авторской песни размышляли о смысле жизни, признавались в любви, воспевали дружбу. Много было в этих песнях щуток, юмора , даже сатиры. Авторскую песню называют ещё бардовской, самодеятельной, поэзией под гитару. Автор стихов в такой песне является и автором музыки, исполняется она всегда под гитару. В самом начале авторские песни чаще всего называли студенческими и туристическими, потому что сочинялись они в основном студентами , а распевались в студенческих общежитиях и туристических походах. Имена авторов - исполнителей – Булат Окуджава, Юрий Визбор, Александр Розенбаум, Владимир Высоцкий, Олег Митяев. Самым первым бардом, основоположником жанра авторской песни является фронтовик Булат Окуджава, он написал 150 песен о любви и надежде, о войне, о вере, о торжестве разума и мудрости. Самым популярным был актёр театра на Таганке – Владимир Высоцкий.
В Самарской области ежегодно проходит Грушинский фестиваль авторской песни, десятки тысяч любителей авторской песни приезжают на него, чтобы услышать новые песни и выбрать лучшую из них на ночном концерте, голосуют слушатели с помощью фонарика.
Ценность авторской песни в искренности, доверительности звучания, в доступности исполнения и восприятия любым человеком.


Билет № 8
1.Устройство древнерусского храма.
2. Творческий путь П.И.Чайковского.

1.В центре любого русского города на самом высоком и красивом месте, посреди большой площади строили храм. Жители всей округи собирались на церковные службы (отсюда и слово «собор»), здесь же читали княжеские указы, провозглашали важные решения. Собор имел огромное значение в жизни людей, вид его показывал могущество, славу города и его князя. Первые храмы на Руси стали строить с принятием христианства. Храм-здание, в котором происходят религиозные обряды: венчания, крещения, отпевания. В соборах русские воины давали клятву, уходя в бой, защищать Родину. Обращаются в храмы и в радости и в горе. Православный храм своим силуэтом напоминает горящую свечу, символизируя пламенность молитвы человека, обращенной к Богу. Строение храма выражает единство мира земного (кубическое основание) и небесного (купола, взмывшие ввысь). Возводились церковные здания из дерева, камня и кирпича. Издавна в России строительным материалом служил лес, из него возводились все жилые и хозяйственные постройки, оборонительные сооружения. В древности и храмы были деревянными, но потом по традиции, перенятой у Византии, их стали строить из камня, который был намного прочнее и долговечнее дерева, не боялся пожаров, бывших в те времена обычным явлением. Несмотря на всю тяжеловесность строительного материала, зодчие православных храмов добивались удивительной легкости своих творений, устремленных ввысь. Внешний вид православного храма напоминал богатыря, стоявшего на страже: прочные стены, небольшие щелевидные оконца, шлемовидный купол горит золотом. Храмы бывают шатровые и купольные. Шатровые храмы особый архитектурный тип. Вместо купола здание храма завершается шатром. Главным украшением собора являются купола. Каждый купол стоит на барабане. Главную роль в композиции храма играет центральный купол. На его острие – круглое «яблочко» с которого возвышается крест. Крест на куполе выражает идею храма как Дома Божия. Количество глав храма раскрывает в числовой символике иерархию устроения небесной Церкви.
Одна глава знаменует единство Бога.
Две главы соответствуют двум естествам Богочеловека Иисуса Христа.
Три главы знаменуют Святую Троицу.
Четыре главы обозначают четыре евангелия и их распространение на четыре стороны света.
Пять глав обозначают Господа Иисуса Христа и четырех евангелистов.
Семь глав знаменуют семь таинств Церкви.
Девять глав связаны с образом небесной Церкви, состоящей из девяти чинов ангелов.
Тринадцать глав – Господь Иисус Христос и двенадцать апостолов.
Цвет купола тоже символичен:
золотой - символ небесной славы, храм посвящен Христу
Голубые и синие – Пресвятой Богородице
Зеленые купола посвящались Троице и символизировали Святой Дух
Серебряные купола - посвящались святым
2. .Пётр Ильи
·ч Чайко
·вский ( 1840 – 1893) - один из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер, шести симфоний и трёх балетов. Балеты Чайковского «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» - это неповторимый мир сказки, где главное чудо совершают не феи и волшебники, а удивительная музыка. В мелодизме Чайковского заключается причина его всеобщей доступности и любви, его невероятной популярности во всём мире. И ещё одно очень важное качество его музыки: его музыка, корнями уходящая в народное творчество, опирающаяся на традиции Глинки, раздвинула рамки своей национальности и завоевала весь мир, стала мировой. Родился в г. Воткинске на Урале в семье горного инженера. Уже в раннем возрасте мальчик отличался тонким слухом и хорошей музыкальной памятью. Первым учителем музыки стала его мать. В 5 лет он уже мог по слуху подбирать мелодии Моцарта на фортепиано. В балетах выражается идея борьбы добра и зла, победы светлых идеалов красоты, радости, любви. П.И.Чайковский – гениальнейший композитор. Во всём мире знают и любят его музыку. Выводы: П.И.Чайковский создал свой мелодический язык, он мог передавать в музыке и тончайшие душевные переживания и масштабные идеи. Его мелодии обладают огромной силой воздействия на человека. Содержание музыки Чайковского универсально: оно охватывает жизнь и смерть, любовь и ненависть, природу, быт и глубокие процессы духовной жизни – сомнение, отчаяние, переживание. Произведения композитора пронизаны большой любовью к жизни, человеку. Произведения композитора легки для восприятия, благодаря мелодичности, распевности, широте мелодий. Музыку Чайковского любят во всём мире.
Билет № 9
1. Древнерусская иконопись.
2. Развитие искусства дизайна.
1.Слово «икона» греческого происхождения, буквально означает «образ». Поэтому на Руси иконы часто называли образбми. На иконах изображают Пресвятую Троицу, Иисуса Христа, Божию Матерь, ангелов, святых, а также события из Ветхозаветной и Новозаветной Священной Истории. Отношение к иконам было очень почтительным, в каждом доме в красном углу размещались иконы. Гость заходя в дом, сначала крестился и кланялся образам и лишь потом обращался к хозяевам. В храме были расположены сотни икон. Иконописцем мог быть только человек, имеющий особый дар от Бога. Писали иконы в Древней Руси монахи (выдающийся иконописец Андрей Рублёв был монахом московского монастыря), при каждом монастыре существовали иконописные мастерские. Написанию иконы предшествовала подготовка, иконописец постился, молился, очищал свою душу и потом приступал к написанию иконы. Писали иконы на деревянных досках липовых или сосновых краской темпера. Эта краска изготавливалась из растёртых в порошок природных минералов и яичного желтка. Например. Андрей Рублёв часто использовал голубой цвет, который получали из лазурита – полудрагоценного камня, привозимого из Персии.
Иконография Богородицы
Особое место в душе русского человека занимают иконы Божией Матери Заступницы, Покровительницы и Утешительницы, выбравшей Русь в качестве Своего избранного удела.
Православные христиане выражали благоговейную любовь к Божией Матери почитанием Её святых икон, построением храмов в Её честь, церковными празднествами в память бесчисленных чудотворных её образов. Не было города, села и деревни, храма, дома, где жили православные христиане, в которых не было бы икон Богоматери. Один из древнейших на Руси образ это знаменитая Владимирская икона Божией Матери, которая особо почитается. Она привезена к нам около 1130 года из Византии в дар князю Юрию Долгорукому от патриарха Константинополя. Долгое время она была в Успенском соборе города Владимира, отсюда получила название Владимирская. В 1395 году была перенесена в Москву. После революции 1917 года новые власти устроили гонение на Церковь. Икону отняли у верующих, но она была настолько почитаема, что её не уничтожили как тысячи других икон, а поместили в Третьяковскую художественную галерею. В 1999 году икону перенесли в храм, который был открыт при Третьяковской галерее. Существуют четыре типа изображений Богородицы.
1. Оранта, по-русски Молящаяся с воздетыми руками, в традиционном жесте заступнической [ Cкачайте файл, чтобы посмотреть ссылку ].
2. Пантанасса Всецарица  на престоле. Богоматерь изображается восседающей на царском престоле с Младенцем Христом на коленях. Трон символизирует царственное величие Божией Матери и понимание Сына Божия как «царя царей», имеющего власть над всеми царями, господствующими на земле.
3. Елеуса, по-русски Умиление. На них Богоматерь изображается щека к щеке с Младенцем и с умилением смотрящей на Сына, а Младенец с нежностью прижимается к Матери. Умиление один из основных типов изображения Божией Матери в русской иконописи.
4. Одигитрия Путеводительница с Иисусом Христом на левой руке. Правой рукой Иисус Христос благословляет, а в левой держит свиток.
С принятие христианства Иконы Богоматери распространялись по самым отдаленным местам России и, в свою очередь, списывались и приобретали местные названия: по особенностям изображения или места, города. Известно более 300 русских наименований икон Богоматери, из них многие чудотворные.

2. Дизайн в переводе с английского – замысел, чертёж, рисунок, это термин, обозначающий различные виды проектировочной деятельности. Формирование красивой и комфортной предметной среды всегда привлекало внимание людей. На рубеже ХIХХХ вв. вместе с развитием промышленного производства возник дизайн. Слово «дизайн» имеет английское происхождение, в переводе означает «проект, замысел, чертеж, рисунок». Дизайнеры это художники, осуществляющие художественное конструирование и проектирование различных изделий: машин и тканей, предметов быта и мебели, одежды и обуви, интерьеров и садово-парковых ансамблей и т.
Бурный технический прогресс в ХХ в. определил появление фабрик и заводов, которые пришли на смену кустарным мастерским. На новом производстве в изготовлении каждой вещи стал принимать участие большой коллектив, выпуская одинаковые изделия для массового покупателя. Классицизм, модерн, арт-деко, минимализм, хай-тек, китч, этно это далеко не полный перечень стилей, существующих в дизайне интерьера и архитектуре. Англия стала родиной нового стиля в искусстве модерна. Модерн возник в творчестве шотландского архитектора и дизайнера Чарлза Макинтоша (18681928). Он создал свой собственный стиль интерьера и мебели, строгий, изысканный, лаконичный, подчеркивающий утонченность и яркую индивидуальность владельца. Линии в модерне изысканные, плавные и мягкие, напоминают растительный орнамент. Этому стилю присуще максимальное выявление фактуры и пластических возможностей материала. В конструкции и украшении предметов быта художники, работающие в стиле модерн, ориентировались на природные формы.
Дизайнеры второй половины ХХ в. проектировали предметы домашнего обихода и мебель ярких, кричащих цветов и самых немыслимых форм. Именно в это время появилась одноразовая посуда, являющаяся тоже продуктом дизайна.
Современные дизайнеры выполняют художественное проектирование продукции всех производств, начиная от самой серьезной техники и машин и заканчивая упаковкой для молока и йогуртов.
Сегодня развитие дизайна привело к тому, что искусство, технологии и промышленное производство образовали взаимовыгодное содружество.
Билет № 10
1.Творчество А. Рублёва – одна из вершин русского и мирового искусства
2. Венский классицизм – как художественное направление в музыке XVIII – начала XIX века (Гайдн, Моцарт, Бетховен).

1.Андрей Рублёв (1360 – 1428) – наиболее известный и почитаемый иконописец Древней Руси. На его творчество оказала влияние атмосфера национального подъёма начала 15 века.(освобождение от татаро – монгольского ига). Сведений имеется очень мало; упоминается в летописях 1405 и 1408 года, что расписал Благовещенский собор в Московском Кремле и Успенский собор во Владимире, затем с учеником расписал Троицкий собор Троице – Сергиевой лавры, для этого собора написал самую знаменитую икону «Троица». Скончался в Москве в Спасо – Андронниковом монастыре во время морового поветрия, а в 1993 году в архитектурных раскопках были обнаружены его мощи, Русской православной церковью причислен к лику святых.
Все работы Андрея Рублёва свидетельствуют, что он был великолепным мастером. Сохранились его иконы «Троица», «Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил». Творчество Андрея Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Искусство Андрея Рублева было тесно связано с формированием идейных и нравственных идеалов его эпохи. Стремление к укреплению русской государственности и национального самосознания были особенно актуальны после пробелы в Куликовской битве в 1380 году. Призывы к миру,
· единству и всеобщему согласию, содержащиеся в учении святого преподобного Сергия Радонежского, воплотились в иконописи Андрея Рублева. Отличительные черты его стиля – особая мягкость и плавность линий, светлый, лишенный резких контрастов колорит; удивительная гармония и одухотворенность образов.

2. Венский классицизм - стиль в музыкальном искусстве XVIII века. Слово это произошло от латинского classicus - образцовый. Венский классицизм – потому, что город Вена стал музыкальной столицей всей Европы и именно здесь в творчестве величайших композиторов Гайдна, Моцарта, Бетховена рождается новое музыкальное искусство. Главным их завоеванием стали такие новые жанры, как соната и симфония- крупные четырёхчастные произведения. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что человеческая натура гармонична. Эмоциональный строй венского классицизма отразил оптимистическую веру в торжество человеческого разума, в светлое и справедливое будущее. В музыке 18 века уже нет мощного, торжественного звука органа как это было в музыке барокко, уменьшилась роль хора. Музыка классического стиля звучит легко. Звучание органа и хора сменилось звучанием симфонического оркестра; возвышенные арии уступили место музыке лёгкой, ритмичной и танцевальной.
Гайдн (1732-1809) прожил долгую жизнь, за которую написал огромное количество произведений: более 100 симфоний, свыше 80 квартетов, 52 сонаты для фортепиано, почти три десятка опер, оратории и много других произведений. Именно его называют "отцом" симфонии.
Моцарт (1756-1791) вошёл в историю мировой музыкальной культуры как блистательный сочинитель симфонической музыки (43 симфонии), создатель жанра классического инструментального концерта, автор «Реквиема» и двадцати опер, среди которых особую известность получили «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта». А.С.Пушкин так выразился о значении творческого наследия композитора: «Ты, Моцарт, Бог, и сам того не знаешь». В каждом произведении Моцарт поражает нас творческой фантазией и неистощимой силой вдохновения. История мирового музыкального искусства не знает более гениального композитора чем Моцарт.
Людвиг ван Бетховен (1770-1827) - немецкий композитор, пианист, дирижёр.
Родился в немецком городе Бонне. В семье было семеро детей, из которых в живых остались трое сыновей; Людвиг, будущий композитор, был старшим из них. Бетховен вырос в нищете. Отец пропивал свое скудное жалованье; он занимался с сыном игрой на скрипке и фортепиано в надежде, что тот станет новым Моцартом и обеспечит семью. В 17 лет Бетховену удалось впервые посетить Вену - музыкальную столицу Европы. По рассказам, Моцарт, послушав игру юноши, высоко оценил его импровизации и предрек ему большое будущее. Но вскоре Бетховен должен был вернуться домой - его мать лежала при смерти. Он остался единственным кормильцем семьи, состоявшей из беспутного отца и двух младших братьев. Лишь через 5 лет Бетховен смог вернуться в Вену, где оставался до конца своих дней.
В самом расцвете таланта в результате болезни Бетховен теряет слух. В 29 лет ему пришлось целиком перейти на общение с собеседниками с помощью грифельной доски или бумаги и карандаша. Хотя композитор становится замкнутым, одиноким – он продолжает писать героическую музыку до конца своей жизни, это 32 сонаты, 9 симфоний и много других произведений. Есть и замечательные лирические произведения такие как «Лунная соната». Слушатели всего мира оценили героизм, благородство и величие бетховенской музыки.
Билет № 11
1.Глубокое поэтическое и философское содержание «Троицы» Андрея Рублёва.
2. Дизайн интерьера.
1.Все работы Андрея Рублёва свидетельствуют, что он был великолепным мастером. Творчество Андрея Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры. Искусство Андрея Рублева было тесно связано с формированием идейных и нравственных идеалов его эпохи. Стремление русских людей к освобоюждению от ненавистного татаро-монгольского ига, к укреплению русской государственности и национального самосознания были особенно актуальны в то время - после победы в Куликовской битве в 1380 году. Призывы к миру, единству и всеобщему согласию воплотились в иконописи Андрея Рублева. Отличительные черты его стиля – особая мягкость и плавность линий, светлый, лишенный резких контрастов колорит; удивительная гармония и одухотворенность образов.
Самой замечательной работой является знаменитая икона «Троица». Она была написана для иконостаса Троицкого собора Троице-Сергиевой лавры и изображает трёх ангелов, символизирующих Троицу: Бога Отца, Бога Сына и Бога Духа Святого. О достоинствах рублёвского шедевра написано много: «Когда начинаешь всматриваться в рублёвскую икону, то прежде всего поражает одухотворённость ангелов. В них есть такая нежность и трепетность, что навозможно не поддаться их обаянию. Тела ангелов стройные, лёгкие, как бы невесомые. Это самые поэтические образы всего древнерусского искусства».
«Троицу» Рублёва поймут и примут как его современники, так и многие поколения русских людей. На ней Бог изображён в виде трех ангелов, парящих над землёй. «Их тончайшие посохи лишь символы странничества, напоминающие человеку, что он только временно здесь на земле, и ничего не сможет унести отсюда кроме своей души и царящей в ней правды». В иконе «Троица» воплотились призывы к любви, миру, согласию. Как ангелы на иконе пребывают в любви и согласии (их лики нежно склоняются друг к другу), так и люди должны относиться друг к другу, чтобы одолеть страшного врага – татаро-монгольское иго. Копии иконы Андрея Рублёва «Троица» сегодня мы найдём в любом православном храме.
В последние годы жизни Андрей Рублев был иноком Спасо-Андроникова монастыря в Москве, где расписывал собор. Похоронен на территории монастыря. Причислен Русской Православной Церковью к лику святых.
2. Дизайн интерьера.
Дизайн в переводе с английского – замысел, чертёж, рисунок, это термин, обозначающий различные виды проектировочной деятельности. Дизайн возник на рубеже ХIХХХ вв. вместе с развитием промышленного производства . Дизайнеры это художники, осуществляющие проектирование различных изделий. Сегодня выделяются такие направления дизайна: дизайн машин и тканей, дизайн предметов быта и мебели, дизайн одежды и обуви, дизайн интерьера и садово-парковых ансамблей.
Дизайн - это гармоничное сочетание науки и искусства. Отличите ли вы интерьер, созданный дизайнером, от интерьера, который сделан самими жильцами из подручных средств? Безусловно! Но в чем же разница? К сожалению, в последнее время понятие дизайн интерьера часто сводится просто к ремонту. Новые обои или заново отлакированные двери, конечно, освежат вид квартиры, но ведь это далеко не дизайн. Профессиональный дизайн интерьера должен быть комплексным, в нем важны детали, пусть даже самые мелкие – только так можно создать действительно гармоничный интерьер. Дизайн – это соединение пользы и красоты, функции и формы.
Существует множество разных стилей интерьера в зависимости от вкусов жильцов, от предназначения интерьера. Например, классический, модерн, кантри, конструктивизм, хай-тек, китч. Сейчас дизайнеры редко работают в одном стиле, в моде эклектика – соединение элементов разных стилей. Основой творческого метода дизайнера в отличие от инженера является художественный образ. Дизайнер при создании объекта руководствуется не только рациональными, точными знаниями, но и учитывает эмоциональное воздействие образа. Например, интерьер, решенный в желто-зеленой цветовой гамме, ассоциируется с солнечной лужайкой, вызывает весеннее настроение.
Все правила, приемы и средства живописной композиции работают и для объектов дизайна. При проектировании дизайнер добивается выразительности объемов и ритмов. Можно пользоваться разными цветами или формами объектов с определённым интервалом, управляя движением взгляда. Допустим, повторить цвета в небольших диванных подушках, ковре, картине на стене, создавая последовательность целостного восприятия интерьера. Или чередуя «рифмующиеся» формы различных предметов в интерьере.
Равновесие композиции, гармония находится в умении сочетать элементы, действие гармонии направлено на умиротворение взгляда. Чаще всего гармония достигается в подчинении интерьера чему-то одному, допустим, в использовании только натурального дерева в отделке мебели, или главенства одного цвета для предметов различного размера и формы в интерьере.
В цветовом решении интерьера дизайнеры опираются на особенности цветового видения. Наше чувство пространства бессознательно ориентируется на природу. Мы привыкли к тому, что небо над нами светлое, а земля под ногами темная. Поэтому , чтобы человек хорошо себя чувствовал, в комнате потолок обычно светлый, а пол – темный.
Если умело учитывать такое разделение и использовать воздействие различных цветов, можно изменить пропорции помещения. Например, светлые цвета оптически расширяют комнату, она кажется просторнее, потолки выше. Холод голубых тонов создает впечатление простора. Стены и потолок оптически раздвигаются. Теплые цвета с отчетливым присутствием красного придвигаются к нам и комната кажется меньше по размеру.
Узор может изменить пространственные соотношения в интерьере. Обои с крупным рисунком оптически уменьшают комнату. Вертикальные полосы увеличивают высоту помещения, а горизонтальные – уменьшают.
Билет № 12
1..Откровенье вечной красоты (Владимирская, Казанская иконы Пресвятой Богородицы)
2. Творческий путь Бетховена.

1.Через века дошли до нас прекрасные одухотворённые образы Богородицы. Иконописные типы её образов были выработаны ещё в Византийском искусстве и пришпи к нам на Русь.
Типов икон Пресвятой Богородицы четыре: Оранта, по-русски Молящаяся с воздетыми руками, в традиционном жесте заступнической молитвы. Пантанасса (Всецарица) - Богоматерь изображается восседающей на царском престоле с Младенцем Христом на коленях. Трон символизирует царственное величие Божией Матери и понимание Сына Божия как «царя царей», имеющего власть над всеми царями, господствующими на земле. Елеуса (Умиление) - Богоматерь изображается щека к щеке с Младенцем и с умилением смотрящей на Сына, а Младенец с нежностью прижимается к Матери. Умиление один из основных типов изображения Божией Матери в русской иконописи. Одигитрия (Путеводительница) - с младенцем Иисусом Христом на правой руке Богородицы. Правой рукой Иисус Христос благословляет, а левой держит свиток, реже книгу. Типов икон Богоматери четыре, а вот видов её икон около трёхсот, это образы явленные в разных местах, в разных чудесных обстоятельствах. Есть среди этих трёхсот икон и явленная в нашем крае в селе Ташла в 1917 году сразу после октябрьской революции. Этот образ называется «Избавительница от бед», он до сих пор хранится в храме села Ташла и многие приезжающие сюда и почитающие икону получают чудесную помощь. На месте где образ был явлен забил святой источник и люди получают исцеления от болезней по сей день.
Одна из самых почитаемых в России Казанская икона Богоматери была явлена в 1579 году в городе Казани. По иконографической композиции это тип Одигитрия (Путеводительница). Богородица держит Богомладенца на левой руке, правой рукой Иисус благословляет. Празднование этой иконы даже два раза в году - 8 июня и 22 октября. 8 июля икона была явлена в Казани, а 22 октября 1612 года с этим образом Богоматери народное ополчение во главе с князем Пожарским полностью очистило Москву от вражеских оккупантов – поляков. Во время Отечественной войны 1812 года Казанская икона Божией Матери, ставшая всенародной святыней, также была в русском войске, указывала путь к победе русскому воинству. Для хранения этой иконы был построен знаменитый Казанский собор на невском проспекте в Санк-Петербурге. В годы Великой Отечественной войны в 1941 году во время судьбоносной битвы за Москву был совершён воздушный крестный ход с этой иконой на самолёте вокруг Москвы. Для русского человека в этой иконе и поныне воплощена идея молитвенного заступничества и ходатайства Пресвятой Богородицы за наше Отечество.
И всё же совершенно справедливо считается, что нет в мировом искусстве образа, равного по силе, одухотворённости, обаянию образа Владимирской Богоматери. Эта икона, написанная в начале XII в. в Константинополе – столице Византии, одна из древнейших святынь Русской земли. Относится к византийскому типу Елеуса (по гречески Умиление). В глазах Богородицы святая печаль. Она предвидит трагическую участь сына. Духовное единство двух близких людей мастерски передано художником. С 1155 года икона находится на русской земле, была доставлена в Киев из Константинополя. Затем князь Андрей Боголюбский вывез образ в новую столицу Руси – город Владимир. В 1395 году икона была торжественно перенесена в Москву как раз в тот день, когда войско непобедимого грозного полководца Тамерлана по непонятным причинам повернуло вспять от Руси. Заступничеству Владимирской Богоматери приписывают отражение многих вражеских нападений на Русь. Сейчас она хранится в Третьяковской галерее, а по праздникам переносится в Успенский собор Кремля.
2. Великий композитор Людвиг ван Бетховен является представителем венской классической музыкальной школы. Родился в немецком городе Бонне. В семье было семеро детей, из которых в живых остались трое сыновей; Людвиг, будущий композитор, был старшим из них. Бетховен вырос в нищете. Отец пропивал свое скудное жалованье; он занимался с сыном игрой на скрипке и фортепиано в надежде, что тот станет новым Моцартом и обеспечит семью. В 17 лет Бетховену удалось впервые посетить Вену - музыкальную столицу Европы. По рассказам, Моцарт, послушав игру юноши, высоко оценил его импровизации и предрек ему большое будущее. Но вскоре Бетховен должен был вернуться домой - его мать лежала при смерти. Он остался единственным кормильцем семьи, состоявшей из беспутного отца и двух младших братьев. Лишь через 5 лет Бетховен смог вернуться в Вену, где оставался до конца своих дней.
В самом расцвете таланта в результате болезни Бетховен теряет слух. В 29 лет ему пришлось целиком перейти на общение с собеседниками с помощью грифельной доски или бумаги и карандаша. Хотя композитор становится замкнутым, одиноким – он продолжает писать героическую музыку до конца своей жизни, это 32 сонаты, 9 симфоний и много других произведений. Есть и замечательные лирические произведения такие как «Лунная соната». Слушатели всего мира оценили героизм, благородство и величие бетховенской музыки.

Билет № 13
1.Декоративно-прикладное искусство.
2. Барокко как художественное направление в музыке ХVII века (Бах, Вивальди).
1.Декоративно-прикладное искусство охватывает многие виды народных промыслов, связанных с созданием художественных изделий, имеющих практическое назначение в быту: утварь, мебель, ткани, орудия труда, одежда, украшения, игрушки и т.д. Декоративно-прикладное искусство живет вместе с народом, уходя корнями в седую древность и развиваясь в наши дни.
Произведения декоративно-прикладного искусства обычно тесно связаны с архитектурно-пространственным окружением: на улице, в парке, в интерьере. Возникнув в глубокой древности, декоративно-прикладное искусство стало одной из важнейших областей народного творчества. Его история связана с художественным ремеслом, художественной промышленностью, с деятельностью профессиональных художников и народных мастеров. Человек издавна стремился украсить свое жилище. При изготовлении любой вещи народный мастер думал не только о ее практическом назначении, но и о красоте. Из самых простых материалов дерева, металла, камня, глины создавал он истинные произведения искусства, передававшие поэтическое представление мастера об окружающем мире. Виды декоративно-прикладного искусства: вышивка, вязание, резьба по дереву и по кости, макраме, бисероплетение, выжигание, керамика, гобелен, ковроделие и т.д. В России издревле популярны свои виды декоративно-прикладного искусства: гжель (изготовление керамической посуды, покрытой бело-голубым рисунком, изготовление ярких с цветами металлических подносов - жостовские подносы (от названия деревни-Жостово), изготовление покрытых лаком деревянных шкатулок – палехские шкатулки (от деревни - Палех) и т.д.
Декоративно-прикладное искусство имеет свой язык и свои законы. Выражая представление о прекрасном, оно никогда не стремится слепо копировать окружающий мир, а передает только самое характерное и выразительное. Художник творчески перерабатывает формы, найденные в природе, с учетом конкретного материала, его декоративных достоинств и особенностей обработки. Современные изделия декоративно-прикладного искусства созданы с учетом народных традиций и моды сегодняшнего дня. До сих пор самыми популярными предметами этого искусства, овеянными дымкой старинных традиций, являются изделия из стали, ковры, сделанные вручную и украшенные традиционным орнаментом, в восточных странах; керамика, предметы из морских раковин в южных странах; изделия из янтаря в прибалтийском регионе; ритуальные маски в Африке; фарфор, перегородчатая эмаль, ткани, расписанные цветами, фруктами, фантастическими животными, в Китае и Японии и т. д.
Много прекрасных образцов декоративно-прикладного искусства можно увидеть в художественных, исторических, краеведческих и этнографических музеях. Каждая выставка народного искусства это всегда открытие мира красоты и мудрости. Изделия, сработанные старыми и современными художниками, неизменно вызывают восхищение посетителей, а у некоторых появляется желание следовать примеру народных мастеров и попробовать самому создавать какие-то прекрасные вещи. Многое из того, что каждый из вас попытается с любовью сделать своими руками, будет доставлять радость окружающим людям. В народном искусстве всегда находила свое отражение родная природа. Знакомые каждому с детства цветы и травы, изображения зверей и птиц, солнца и неба, земли и воды, преображенные фантазией художника, превращались в изделии в яркий, выразительный орнамент.
2.Слово «барокко» означает жемчужина неправильной, причудливой формы. Так называется стиль, сложившийся в Европе в 17-18 веке. И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. В архитектуре в стиле барокко выполнены все известные в Европе и в России королевские ансамбли: Лувр, Версаль (королевские дворцы во Франции), Петергофский царский дворец и Зимний дворец - Эрмитаж в Санкт Петербурге. Это слово применяется и к музыке того времени.
Представители стиля барокко в музыке – это Иоганн Себастьян Бах и Антонио Вивальди.
Ведущие жанры стиля барокко – это инструментальный концерт, опера и органная музыка.
Иоганн Себастьян Бах (1685 – 1750) родился в 1685 года в городе Эйзенах, Германия. За свою жизнь он сочинил более 1000 произведений в различных жанрах, кроме оперы и для всех существовавших в то время музыкадьных инструментов. Это и органная музыка, и вокально – драматическая, и инструментальная. Это и серьёзная музыка для церкви и лёгкая музыка для отдыха, для развлечения (например, танцевальные сюиты, где один танец следует за другим). Судьба гения сложилась печально: не признанный при жизни, после смерти он был забыт почти на сто лет, поэтому можно с уверенностью сказать, что Бах опередил своё время. Исполнение грандиозного вокально-драматического произведения «Страсти по Матфею», через 79 лет после смерти И. С. Баха воскресило интерес к его творчеству. Сейчас И. С. Бах является одним из самых популярных композиторов всех времён (например, в голосовании «Лучший композитор тысячелетия», проведённом на Cultureciosque.com Бах занял первое место). Композиторы последующих эпох учились у Баха.
Антонио Вивальди (16781741) - итальянский композитор, виртуозный скрипач и педагог, родился в Венеции. Вивальди внёс свой самый значительный вклад в развитие инструментального концерта. Инструментальный концерт – это крупное трёхчастное произведение, в котором один музыкальный инструмент соревнуется с целым оркестром. Все концерты Вивальди написаны для скрипки с оркестром. Для музыки Вивальди характерны определённые приёмы: трёхчастная циклическая форма его концертов, где все части контрастные. Вивальди сочинил более 500 концертов и 40 опер. Он давал программные названия некоторым своим работам, таким как знаменитые «Времена года».
Билет № 14
1.Третьяковская галерея – первый музей русской живописи
2. Романтизм - как художественное направление в музыке XIX века (Франц Шуберт, Фридерик Шопен).
1.Павел Третьяков – меценат (покровитель искусства), основатель Третьяковской галереи - первого в истории России музея русской живописи был купцом в третьем поколении. На благотворительную деятельность он тратил деньги, заработанные на торговле продукцией (льняные ткани), произведённые на принадлежащей ему мануфактуре. Русская православная этика так определяла главные идеалы человека: почитание добра, справедливости. Это отразилось в русской пословице «лишнее не бери, карман не дери, души не губи». Идея богатства ради богатства была чужда русскому человеку, тем более П.М. Третьякову. Павел Михайлович пользовался в купеческой среде большим авторитетом и многократно выполнял общественные обязанности, занимал выборные должности. На его попечении лежала забота об училище для глухонемых детей. Там жили 150 мальчиков и девочек. Здесь они воспитывались до 16 лет и выходили в жизнь, получив профессию.
Как собиратель начал с приобретения художественных изданий и гравюр на знаменитых «развалах» у Сухаревой башни. В 1854 он купил там первые десять картин, полотна старых голландских мастеров. Однако уже через два года приобретает две жанровые картины русской школы «Искушение» Н. Г. Шильдера и «Финляндские контрабандисты» В. Г. Худякова, которые и легли в основу выдающегося собрания. Содержание картины «Искушение»: «..Мрачная подвальная комната. Здесь, в бедности, живет красивая девушка и ее старушка мать. Дни матери сочтены. Тяжелобольная, она уже не встает с кровати за темной занавеской. Девушка зарабатывает вышиванием, но жалких грошей не хватает ни на хлеб, ни на лекарство. Однажды в подвал спустились недобрые гости: богатый молодой мужчина и бесчестная старуха, готовая за деньги оказать любую услугу. Старуха показывает девушке дорогой браслет. Если девушка полюбит человека, оставшегося за дверью, он подарит ей этот браслет. Можно будет поесть досыта, позвать к матери врача. На лице девушки, в ее движениях испуг и отчаяние...»
Не удовлетворяясь обладанием частной коллекцией, Павел Михайлович хотел создать национальную художественную галерею, чтобы все желающие могли познакомиться с историей русской живописи. Весь свой основной капитал он завещал на устройство «художественного музеума». Павел Третьяков давал заказы совсем молодым и никому неизвестным художникам, в которых он видел удивительную искру дарования. Его личные художественные вкусы оказали немалое воздействие на русскую художественную школу. Наиболее полно и лучшими работами в собрании Третьякова были представлены художники Василий Перов, Иван Крамской, Илья Репин, Василий Суриков, Исаак Левитан.
Для задуманной Третьяковым галереи портретов знаменитых соотечественников специально был заказан ряд портретов деятелей отечественной культуры ведущим мастерам В. Г. Перову, И. Н. Крамскому, И. Е. Репину и др. Благодаря ему мы знаем как выглядели выдающиеся деятели русской культуры такие как Менделеев, Толстой, Некрасов и многие другие. В августе 1892 Павел Михайлович передал свою художественную галерею в дар Москве. В собрании к этому времени насчитывалось : 1287 живописных произведений русской школы, коллекция икон. Павел Третьяков был человеком очень скромным, глубоко интеллигентным. Единственное звание, принятое им с гордостью - Почетный гражданин города Москвы. После смерти Павла Михайловича Третьякова в 1898 году, галерея, по его завещанию, отошла в собственность города Москвы. В период советской власти Третьяковская галерея продолжала пополнять свое собрание. Нестеров написал замечательные слова о Третьякове. «Кому не приходила мысль о том, что, не появись в свое время П.М. Третьяков, не отдайся он всецело большой идее, не начни собирать воедино Русское искусство, судьбы его были бы иные: может быть, мы не знали бы ни «Боярыни Морозовой», ни «Крестного хода», ни всех тех больших и малых картин, кои сейчас украшают знаменитую Третьяковскую галерею. Тогда в те далекие годы, это был подвиг».
2. Романтизм - как художественное направление в музыке XIX века (Франц Шуберт, Фридерик Шопен).
В музыке направление романтизма сложилось в XIX веке. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека, его чувства, переживания.
Сложный и противоречивый мир души человека, неповторимость и оригинальность каждой человеческой личности романтики понимали как никто другой. Ведущим жанром романтизма становится вокальная ( песня) или инструментальная (небольшое произведение для фортепиано) миниатюра. Музыка романтизма представлена во всех странах Европы, получила она своё развитие и в творчестве русских композиторов. Виднейшими представителями романтизма в музыке являются: Франц Шуберт (Австрия); Фредерик Шопен (Польша), Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Иоганнес Брамс (Германия); Николо Паганини (Италия; Глинка, Римский-Корсаков, Мусоргский, Бородин, Чайковский в России также использовали мотивы романтизма.

Франц Шу
·берт (1797 - 1828) австрийский композитор, один из основоположников романтизма в музыке. Композитор прожил всего 31 год и при жизни почти не было его публичных выступлений. Молодые годы прошли в полной нищете, но композитор не мог представить себе жизнь без творчества. На то, чтобы снять зал для выступления у композитора не было средств, чтобы выйти к публике на аплодисменты не было приличного костюма. Интерес к музыке Шуберта значительно вырос только после его смерти. Произведения Шуберта до сих пор не утратили популярности и являются одними из самых известных образцов классической музыки. Творческое наследие Шуберта охватывает самые разные жанры. Им создано 9 симфоний, 15 фортепианных сонат, множество пьес для фортепиано. Самое главное в творчестве Шуберта – это жанр вокальной миниатюры, им создано около 600 песен. Наиболее известные из них – «Аве Мария», «Серенада». В песнях Шуберт выказал замечательный мелодический талант и большое разнообразие настроений – от ликующей радости до глубочайшей скорби.
Фридерик Шопен (1810 – 1849) – великий польский композитор-романтик посвятил свою музу родной Польше. Так сложилось, что после революции в Польше, в которой участвовали его друзья с двадцати лет Шопен жил на чужбине в Париже, что неизбежно усиливало мечтательную тоску по Родине, глубокую любовь к ней. История, духовная жизнь народа, фольклор Польши – всё это приобрело в сочинениях Шопена облик романтической грёзы. Благодаря тончайшей лирике поэтичных изящных мелодий мир шопеновской музыки узнаваем с первых звуков. Шопен всю свою жизнь сочинял музыкальные произведения для фортепиано: это циклы небольших пьес (фортепианные миниатюры) прелюдии, этюды, ноктюрны, вальсы, мазурки. Шопен был похоронен при огромном стечении народа в Париже, но его сердце по его завещанию в серебрянном кубке навечно упокоилось в католическом костёле в центре Варшавы - столицы Польши.

Билет № 15
1.Жанр пейзажа в русской живописи.
2.Группы инструментов симфонического оркестра.
1. Пейзаж – это жанр живописи, в котором изображаются картины природы. Незатейливая красота среднерусской полосы долгое время не привлекала внимания художников. Скучные, однообразные равнинные пейзажи, серое небо, весенняя распутица или пожухлая от жары летняя трава В этом не видели ничего поэтичного. То ли дело виды Италии – лазурное море, апельсиновые деревья. Русские художники XIX в. Алексей Саврасов, Исаак Левитан, Иван Шишкин и другие открыли красоту родной земли. Люди, словно впервые увидели на их картинах и прозрачный весенний воздух, и наполненные весенним соком, оживающие березы; услышали веселый, исполненный надежды, радостный гомон птиц. И небо не кажется таким уж серым и безрадостным, и весенняя грязь тешит, радует взор. Вот, оказывается, какая она русская природа нежная, задумчивая, трогательная! Именно благодаря картине Алексея Кондратьевича Саврасова (18301897) «Грачи прилетели» русские художники ощутили песенность, нежную трогательность русской природы. Русские пейзажи-настроения передают лирическое стремление души человека к красоте, помогают людям глубже понять поэтичное содержание зарисовок природы. Вот какими словами описал свои впечатления от картины И. Левитана «Весна. Большая вода» знаток русской живописи М. Алпатов: «Тонкие, как свечки, по-девичьи стройные березки выглядят, как те самые, которые искони воспевались в русских песнях. Отражение березок в прозрачной воде как бы составляет их продолжение, их отголосок, мелодическое эхо, они растворяются в воде своими корнями, их розовые ветви сливаются с голубизной неба. Контуры этих гнутых березок звучат подобно нежной и грустно-жалобной свирели, из этого хора вырываются отдельные голоса более могучих стволов, всем им противопоставлен высокий ствол сосны и густая зелень ели». «Отчего простой русский пейзаж, отчего прогулка летом в России, в деревне, по полям, по лесу, вечером в степи, бывало, приводили меня в такое состояние, что я ложился на землю в каком-то изнеможении от наплыва любви к природе, тех неизъяснимо сладких и опьяняющих впечатлений, которые навевали на меня лес, степь, речка, деревня вдали, скромная церквушка, словом, всё, что составляло убогий русский родимый пейзаж? Отчего все это?» - рассуждал П.И.Чайковский. Любому русскому человеку дороги пейзажи-настроения Исаака Левитана «Осенний день. Сокольники», «Берёзовая роща», «Вечерний звон» и могучие богатырские пейзажи Ивана Шишкина «Утро в сосновом бору» (народное название «Мишки на дереве»), «Золотая рожь», «Дубовая роща». Они составляют бесценные сокровища русской культуры.
2. Группы инструментов симфонического оркестра
Симфонический оркестр – это великое изобретение человеческой культуры. Используя сочетание тембров (тембр – это окраска звука того или иного инструмента) различных музыкальных инструментов, композиторам удавалось создавать различные красочные картины, например, образы природы, сказок, показать настроение человека. Состав современного симфонического оркестра был упорядочен в 18 веке в творчестве композитора венского классика Гайдна. Оркестр состоит из четырёх групп инструмнтов. На первом месте группа струнных-смычковых инструментов, в котопрую входят скрипка, альт, виолончель и контрабас. Эта группа самая многочисленная в оркестре. Скрипке, альту, виолончели чаще всего поручается вести главную мелодию.
Группа деревянных духовых включает в себя флейту, гобой, кларнет и фагот.
Группа медных духовых инструментов также включает четыре инструмента: труба, валторона, тромбон и туба.
В группу ударных инструментов входят большой и малый барабаны, треугольник, ксилофон, тарелки.

Билет № 16
1. Особенности портретного жанра в произведениях русских художников.
2. Сказка в оперном творчестве Н.А.Римского – Корсакова.
1.Портрет – это изображение отдельного человека или группы людей. Жанр портрета получил распространение в глубокой древности в скульптуре. А затем в живописи. Различают парадный и камерный (в домашней обстановке) портрет. Бывают портреты парные и групповые. Они предназначаются и для украшения парадных комнат, и для восхваления определённых персон и для сохранения памяти о людях. Особую категорию составляет автопортрет, на котором художник изображает самого себя.
Считается, что портрет самое бесспорное достижение нашей национальной школы живописи, именно благодаря ему русская живопись достигла уровня европейской. ХVIII в. в России называют веком портрета. В жанре портрета писали лучшие русские художники: Ф. Рокотов, Д. Левицкий, О. Кипренский, К. Брюллов, И. Репин, М. Врубель и др. В середине ХVIII в. портрет становится частью быта, связанной с архитектурой, мебелью, утварью, самими обитателями жилища, их костюмами, привычками. Благодаря портретам русского художника Федора Степановича Рокотова (17351808) образовался особый эмоциональный словарь для выражения впечатлений зрителя: «полумерцание, полугорение красок», «зыбкость, воздушность», «загадочность и таинственность» и т. п. Кроме технических живописных новшеств, художник открывает новые возможности камерного интимного портрета в выражении душевного мира человека как главного критерия его достоинства. Особое место в творчестве художника занимает портрет А. Струйской. Он является ярким примером поэтизации образа средствами живописи. Воздушная, прозрачная манера письма создает ощущение легкости тканей и бездонности фона. С помощью света Рокотов мастерски выделяет лицо и одновременно объединяет всю композицию портрета в единое целое. Не случайно этот портрет часто называют «русской Джокондой».
Почти сто лет назад поэт Яков Полонский увидел у своих знакомых портрет Марии Лопухиной, написанный русским художником Владимиром Лукичом Боровиковским (17871825). Портрету к тому времени тоже было почти сто лет. Поэт долго оставался в задумчивости перед небольшим холстом. Он практически ничего не знал об этой женщине. Знал только, что жизнь ее отчего-то сложилась несчастливо и что умерла она совсем молодой. Поэт думал: «Какое чудо живопись! Все давным-давно забыли бы эту прекрасную Лопухину, если бы не кисть живописца. . .» И в голове его начали складываться стихи:

Она давно прошла и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье тень любви и мысли тень печали.
Но красоту ее Боровиковский спас.
Так, часть души ее от нас не улетела.
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать,
Уча его любить, страдать, прощать, мечтать. . .
В этом портрете художник создал прекрасный образ женщины печальной и светлой красоты, чистой и нежной души.
Портретный жанр занимает значительное место в творчестве русского художника Ильи Ефимовича Репина (18441930). Обращение к портретной галерее этого художника дает возможность современным зрителям узнать о его многочисленных творческих связях с деятелями отечественной науки, культуры, искусства учеными, писателями, живописцами, музыкантами, меценатами, которые внесли свой вклад в культурное наследие России. Знаменитые люди на портретах изображены Репиным в разных душевных состояниях: мечтательного созерцания (композитор А. Бородин), активного действия (композитор, пианист, дирижер, основатель Петербургской консерватории А. Рубинштейн), спокойного размышления (писатель Л. Толстой), глубокого раздумья (коллекционер картин, меценат, создатель собрания Государственной Третьяковской галереи П. Третьяков).
2.Николай Андреевич Римский – Корсаков (1844 – 1908) – великий русский композитор. Главная часть творчества Римского-Корсакова – это 15 опер, большинство из них на сказочный сюжет, поэтому его называют композитором – сказочником. Сказочные сперы - «Сказка о царе Салтане», «Ночь перед Рождеством», «Золотой петушок», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии", опера-былина «Садко»,
Самая любимая из опер Римского-Корсакова – опера – весенняя сказка "Снегурочка." Литературная основа - либретто написано Н. А. Римским-Корсаковым по пьесе драматурга А. Н. Островского. События оперы разворачиваются в идеальной сказочной стране, где народ-земледелец живёт по законам нравственности в гармонии с окружающей природой. Композитору удалось воплотить в звуках историю удивительного превращения волшебного существа, дочери Весны и Мороза хрупкой Снегурочки в человека, испытавшего любовь и погибшего. Многие страницы оперы посвящены старинным языческим обрядам (Масленица, Ивана Купалы). Широко в ней использованы подлинные народные песни. Римский-Корсаков был мастером оркестровой инструментовки – обладал даром писать музыку для оркестра так, что можно представить картины природы, море, битву, да всё что угодно. Например, симфоническая картина «Три чуда» из оперы «Сказка о царе Салтане», где оркестр изображает и белочку, и тридцать три богатыря, и Царевну-Лебедь.

Билет № 17
1.Архитектура исторического города
2. Творческий путь С.Рахманинова.
1.Одним из самых полезных для жизни человека искусств является архитектура. Архитектура – искусство проектирования и строительства зданий, организующих пространственную среду, искусство формирования этой среды для жизни и деятельности людей, доставляющее эстетическое наслаждение. С древнейших времен человек научился строить для себя жилище. Для этого использовались природные материалы, которыми была богата окружающая местность. Большое количество домов образовывало поселения. Для обороны от врагов поселения обносились стенами, огораживались частоколом, деревянной стеной. Поэтому русское слово «город» первоначально означало «укрепление» и произошло от выражений «огораживать», «обносить оградой», «городить».
Планировка и строительство городов это одна из областей архитектуры, она получила название «градостроительство». Планировка городов Античности, Средневековья, эпохи Возрождения, древнерусских городов во многом различалась.
В Античности на укрепленном холме строили храмовый комплекс. Примером может служить Афинский Акрополь политический, религиозный, культурный центр города. Он был ориентиром среди располагавшейся внизу прямоугольной сетки улиц. Дома людей лепились тесно друг к другу, в Акрополе же располагались величественные здания храмов, скульптурные изваяния. В Акрополь горожане поднимались лишь один раз в четыре года во время праздника, посвящённого Афине, покровительнице города.
Каждый средневековый город ограждали могучими каменными стенами с зубцами и башнями, окружали глубоким рвом, делая его мощной, надежной крепостью. Город средневековой Руси был слит с природой. Немаловажную роль в выборе места для будущего города играло эстетическое чувство людей. Город обычно вырастал на возвышенном месте. Центральное место в его композиции занимал кремль. Он был внутренним ядром городских укреплений, под его защиту уходили люди после падения внешнего пояса обороны. В кремле были сосредоточены самые большие, монументальные сооружения собор и дворец. Характерным примером является план древней Москвы.
Центром западноевропейского города был кафедральный собор. Поблизости располагалось административное здание ратуши и рыночная площадь.
Центром восточного мусульманского средневекового города была площадь, на которой строилось медресе высшая школа, готовящая служителей культа, учителей и мечеть. Рядом с мечетью высились минареты башни, с которых пять раз в день мусульман призывали на молитву.
Санкт-Петербург это город музей под открытым небом, основан он Петром I у выхода в Балтийское море, на русских землях отвоёванных у шведов. Он возводился с 1703 года по плану, заранее составленному и тщательно выверенному Петром I. В отличие от древнерусского города постепенно разраставшегося от кремля, здесь заранее было продумано расположение проспектов и пересекающих их улиц. За образец император взял два города – Венецию и Амстердам, которые так же построены на воде и имели множество каналов, поэтому ещё его называют северной Венецией. Здесь была болотистая местность и под каждое здание необходимо было вбивать сотни дубовых свай. В Санкт-петербурге мы встретим два стиля архитектуры: барокко (например, Зимний дворец-Эрмитаж) - 18век и классицизм (например, Исаакиевский собор, Казанский собор) – 19 век. Первая постройка города - это Петропавловская крепость. Город украшен множеством великолепных храмов, таких как храм Спаса на крови (возведён на месте, где в 1881 году был убит революционерами-террористами император-овободитель Александр II), Казанский собор (построен архитектором Андреем Воронихиным - выходцем из крепостных крестьян и предназначен был для хранения чудотворной Казанской иконы Пресвятой Богородицы), Исаакиевский собор (интерьер богато украшен всеми цветами мрамора, драгоценными камнями, малахитовыми колоннами, возведён в память о Петре I его потомками. Архитектор француз Монферран). Вокруг Санкт-Петербурга подобно Версалю вблизи Парижа расположились царские загородные резиденции – садово-парковые ансамбли: Петергоф с удивительным каскадом золотых фонтанов, Царское село со знаменитой янтарной комнатой во дворце. Поражает их роскошь и великолепие.
2.Творческий облик Рахманинова (1873 – 1943) часто определяют словами «самый русский композитор». Тема «Россия и её судьба», главная для русского искусства нашла в творчестве Рахманинова законченное воплощение. Рахманинов являлся продолжателем традиций русской музыки: Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского. Эмоционально приподнятая, романтически-взволнованная музыка Рахманинова выросла из глубин русских духовных традиций. В ней запечатлелись образы, отражающие православное сознание, «русскую идею», поиски высшего смысла жизни. Творческое наследие композитора охватывает разные жанры как инструментальные, так и вокальные: три симфонии, четыре концерта для фортепиано с оркестром, кантаты, романсы. В творчестве Рахманинова очень важны христианские мотивы: будучи глубоко верующим человеком, Рахманинов сделал выдающийся вклад в развитие русской духовной музыки («Литургия св. Иоанна Златоуста», 1910, «Всенощное бдение», 1916), и в прочих своих произведениях воплотил христианские идеи и символику.
Романтические образы нашли своё воплощение в небольших произведениях для своего любимого инструмента-фортепиано: прелюдии, этюды-картины. Сергей Рахманинов стал современником русской революции 1917 года, отражённой в русском искусстве как «катастрофа», «конец света». Композитор не принял революции и уехал со своей семьёй навсегда из России. Выдающийся талант дирижёра и пианиста давал ему возможность жить безбедно в Америке, его концеты были расписаны на несколько лет вперёд, но на чужбине он очень долгое время не мог сочинять музыки – не приходило вдохновение.
Войну России с гитлеровской Германией композитор переживал очень тяжело. В годы Великой Отечественной войны Рахманинов дал в США несколько концертов, весь денежный сбор от которых направил в фонд обороны СССР со словами: «От одного из русских посильная помощь русскому народу в его борьбе с врагом. Хочу верить, верю в полную победу». Известно, что на деньги композитора был построен для нужд армии боевой самолёт. Только неизлечимая болезнь помешала композитору вернуться на родину.
Скончался Рахманинов 28 марта 1943 года в своем имении в Беверли-Хилл в штате Калифорния. Отпевали Рахманинова в Русской церквии и похоронили на русском кладбище.
Билет № 18
1.Архитектура современного города.
2.Песни Великой Отечественной войны.
1.Каждый современный город имеет свое собственное лицо, запечатленное в памятниках архитектуры, в специфике современной планировки. Современные города тщательно планируются архитекторами. На чертежах и макетах выверяются не только расположение и размеры будущих жилых зданий, но и вся инфраструктура микрорайона, в которую включены магазины, школы, детские сады, поликлиники, места отдыха (скверы, парки, и т. д.) все то, что необходимо для нормальной жизни людей. В современных микрорайонах строятся типовые, очень похожие друг на друга жилые дома. Однако общественные здания часто возводятся по специальным проектам, и в них, так же как прежде, архитектура отражает духовные устремления людей и воздействует на их эмоциональное восприятие. Особенностью архитектуры ХХ в., послужившей основанием для архитектурных форм и технологий ХХI в., стали невиданные ранее принципы формообразования и организации пространства. Появление новых строительных материалов и технологий позволило облегчить вес конструкций, более рационально организовать внутреннее пространство помещений. Французский архитектор Ле Корбюзье (18871965) впервые начал использовать в своих постройках сборные модули из железобетона.
Появление оригинальных форм, конструкций и материалов привели к зарождению в архитектуре таких направлений, как конструктивизм( когда здание состоит из простых геометрических объёмов – кубов, цилиндров), рационализм, функционализм и т. д. Сами названия говорят о том, что архитекторы стремились к созданию целесообразной, комфортной атмосферы с простыми и ясными формами зданий. Для выразительности их художественного образа используются асимметрия, контрастное противопоставление горизонтальных и вертикальных плоскостей, гармоничное сочетание постройки с окружающим пейзажем. Если раньше в городе возвышались шпили соборов и колоколен, то сейчас в целях экономии площади вверх потянулись жилые и офисные здания. Особенно наглядно это проявилось в США в небоскребах Чикаго и Нью-Йорка.
В качестве архитектуры современного города можно привести пример архитектуры родного города Тольятти. Мы имеем уникальную историю создания нашего города, которая ярко отразилась в его облике. Захватывающей является история второго рождения нашего города, связанная с затоплением Ставрополя-на-Волге (основанного в 1737 году Татищевым как город - крепость от набега кочевых племён) и строительством гидроэлектростанции. В Тольятти три крупных района. Архитектура каждого из районов города уникальна и не похожа на другие. В Комсомольском районе много малоэтажных зданий сталинского периода. В Центральном районе большой частный сектор – малоэтажные частные дома. Также особенностью архитектуры Центрального района являются здания сталинской эпохи (например, здание мэрии, кукольного театра). Эти здания являются историческим и культурным наследием, которые нужно ценить и охранять. Автозаводский район, создаваемый для проживания строителей и работников «АВТОВАЗ», стал первым в стране, построенным без времянок и бараков. В 1973 году группа архитекторов разработавшая план нового района получила Государственную премию. Кварталы застроены 5, 9, 14 и 16-этажными зданиями различных планировок, многие здания и сооружения культурно-бытового назначения школы, детские сады, больницы и поликлиники строились в экспериментальном порядке впервые в стране. Это был «городмечта», вошедший даже в зарубежные учебники по архитектуре. Новые кварталы были спроектированы таким образом, что каждый из них представляет собой небольшой город в городе с детскими дошкольными учредениями и школами, общественноторговыми центрами и блоками обслуживания, объектами здравоохранения, культуры и спорта... Архитекторы старались воплотить в жизнь самые современные представления о планировке бульваров, улиц, микрорайонов, об удобстве и гармоничном сочетании промышленных районов, жилых кварталов и зон отдыха. Нигде больше в России не встретишь таких широких прямых проспектов, которые, кажется, тянутся от горизонта до горизонта, такого своеобразного сочетания зданий различной этажности и оригинальных архитектурных решений. В Автозаводcком районе города среди многоэтажек можно встретить неожиданные по архитектурному решению уголки. Золотом куполов манит к себе Спасо-Преображенский собор – самый грандиозный храм города. Дворец Культуры и техники ВАЗа издалека напоминает огромный корабль. Всё это вместе придаёт городу неповторимый облик.
По данным департамента культуры мэрии, общее количество памятников истории и культуры, взятых под охрану в городе 167. Это памятники градостроительства и монументальные памятники.
Свыше половины памятных и архитектурных мест находится в Центральном районе. Здесь на площади Свободы горит Вечный огонь, возвышается Обелиск Славы в честь героев-земляков, погибших в годы Великой Отечественной войны. Культурную ценность представляют: воздвигнутый на берегу Волги в честь 260-летия образования города памятник основателю города В. Н. Татищеву, появившаяся в городском парке скульптурная композиция «Скорбящий ангел», посвящённая жертвам политических репрессий, скульптура Николая Чудотворца и многие другие. Хотя современному городу всего 60 лет, Тольятти входит в федеральный список исторических городов России.
2. Во время войны было создано более тысячи песен, все композиторы стремились помочь нашей победе. Из них полюбились русским народом и дошли до наших времён, постоянно исполняются в День Победы около двух десятков песен. За что же полюбились эти песни? За то, что они согревали сердца русских солдат, давали им возможность вспомнить свой дом, любимую.
Самая первая в 1941 году появилась героико – патриотическая песня композитора Александра Александрова на стихи Лебедева – Кумача «Священная Война» (он же создатель музыки гимна России на слова поэта Сергея Михалкова в 1944 году, слова менялись дважды на протяжении 20 века, а вот музыка сохранилась до наших дней). В звуках песни «Священная война» суровых и мужественных чувствуется ощущение страшной опасности, нависшей над страной, ненависть к фашизму, вера в грядущую победу над врагом.
Потребность в лирической задушевной песне у усталых, измотанных долгими годами нелёгкого ратного труда людей была очень велика. Именно в этом жанре ярко раскрылся талант композитора Соловьёва – Седого ( в числе лучших песен «Вечер на рейде», «Соловьи»), Другим,не менее важным символом военных лет, стала знаменитая песня «Катюша», созданная композитором Блантером ещё до войны в 30-е годы.Лирическая мягкость, простота напева, обращённолсть к солдатскомйу сердцу («пусть он землю бережёт родную») сделали песню всенародной. Ещё большую популярность приобрела «Катюша», когда этим именем назвали знаменитую ракетную установку, приводившую в ужас немецких захватчиков.
В числе самых любимых, не забытых до сих пор лирических песен также «Тёмная ночь» композитора Богословского из кинофильма «Два бойца», созданного в 1943 году и песня «В землянке» композитора Листова.


Билет № 19
1. Массовые общедоступные виды искусства. Искусство фотографии.
2. Русская духовная музыка (византийский распев, знаменный распев, партесное пение).

1.Огромную популярность в XX в. приобрели виды искусства, связанные с техническим прогрессом - фотография, кино, телевидение. Слово «фотография» переводится как «светопись», что отражает основополагающую роль света в процессе фотографирования. Техника фотографирования основана на знакомом людям с древности оптическом эффекте: луч света, попадая в небольшое отверстие камеры, дает на ее противоположной стенке перевернутое изображение освещенных предметов. Фотография, являясь одним из самых распространенных средств массовой коммуникации, имеет огромное историческое значение как свидетель своего времени. Даже не обладающая художественной ценностью, фотография через много лет становится ценным историческим документом. Широкое распространение получила художественная фотография. Взгляд через объектив фотоаппарата позволяет увидеть экзотические страны, диковинных животных, подводные глубины океана, культурно-исторические реликвии древней архитектуры, популярных актеров, новые течения в моде (одежда, прически, интерьеры домов и др.). Свое отношение к нему автор передает через выбор момента съемки, ракурс, распределение света и тени. Фотография развила свою особую систему выразительных средств, но не потеряла связи с древними изобразительными искусствами. Это проявляется в том, что их основные жанры портрет, пейзаж, натюрморт представлены и в фотоискусстве. Особенность изобразительного образа в фотографии заключается в его документальности, так как он всегда объект реального мира или существенный момент действительности. Чем же фотография отличается от живописи? Прежде всего, тем, что фотография ловит мгновения, передает одномоментный образ происходящего события, тем самым переводя его в вечность. Сегодня техника фотографирования, пережив множество усовершенствований, достигла цифрового уровня. Компьютер помогает добиться необычайного эффекта в фотографии, дает возможность соединять различные объекты, трансформировать или частично менять форму, фактуру или цвет предметов, комбинировать объекты наподобие коллажа.
2.Музыкальное искусство Древней Руси развивалось в двух направлениях: духовная (церковная) и
народная музыка (фольклор). Духовная музыка стала развиваться после важнейшего для русского народа события – Крещения Руси в 988 году. Первые пришедшие из Византии на Русь образцы церковного пения назывались византийским распевом. Это была очень суровая, строгая, величественная хоровая музыка. Церковное пение в древности было одноголосным, мужским и без сопровождения музыкальных инструментов. Это выражало идею единомыслия. Человеческий голос признавался единственным музыкальным инструментом, которым можно говорить о Боге. Постепенно строгие византийские распевы наши распевщики обогащали русскими народными песенными интонациями, так родилась музыка близкая душе русского человека – знаменный распев, обладавший поразительной внутренней мощью, эпической силой, величественностью и красотой. Название знаменный распев произошло от слова знамя – знак. Тогда ещё не были изобретены ноты и музыка записывалась особыми знаками.
17 век становится веком перемен в русской духовной музыке. Русские музыканты знакомятся с музыкальной культурой Западной Европы. Новое хоровое пение становится многоголосным партесным (от слова партес – голоса), оно отличается энергией, красочностью, богатством звучания, ощущением движения, света, огромного пространства.
Русская духовная музыка является частью храмового синтеза (объединения) искусств, она воздействует на чувства и мысли русских людей наряду с красотой храма, иконописи, фресок, обряда богослужения.

Билет № 20
1. Массовые общедоступные виды искусства. Искусство кино. Игровое и документальное кино.
2. Творческий путь И.С.Баха.
1. Огромную популярность в XX в. приобрели виды искусства, связанные с техническим прогрессом - фотография, кино, телевидение. Кино сегодня является одним из самых массовых видов искусства. Кинематограф (в переводе с греческого «изображаю движение») с технической точки зрения представляет собой развитие искусства фотографии. Изобретение так называемых движущихся фотографий принадлежит французам братьям Люмьерам. С помощью кадров отдельных фотоснимков, на кинопленке происходит фиксация фаз движения объекта, монтаж помогает соединить кадры соответственно замыслу режиссера. Кино как вид искусства появилось в Японии, Европе и Америке практически одновременно в конце XIX в. Первый киносеанс в Москве состоялся 26 мая 1896 г. в саду «Эрмитаж». Одним из крупнейших кинотеатров в России стал «Художественный» (построен в 1909 г. русским кинопредпринимателем А. Ханжонковым).
Кинематограф со временем стал важнейшим средством коммуникации. Кино доступно, увлекательно, выразительно. Оно обладает свойствами «зримой литературы», «движущейся живописи», «цветомузыки». Исходя из этого, можно сказать, что кино синтетическое искусство (синтез – это соединение разных видов искусств). В нем слово, жест, пластика, свет, цвет, музыка создают единый образ. Кино не заменяет литературу, живопись, музыку, а преломляет их опыт в соответствии со своей спецификой. Музыка способствует драматургическому развитию происходящего на экране действия. Она эмоционально окрашивает тот или иной эпизод в зависимости от замысла режисёра. Объединяя литературу, театр, живопись, музыку, кино раскрывает динамичный целостный зрительно-слуховой образ эпохи. Герои фильмов красивые, сильные, бесстрашные проходят «через огонь и воду». Зрители, погружаясь в атмосферу фильма, оценивают их действия, мечтают быть похожими на них. Но, к сожалению, в последнее время на киноэкранах слишком часто возникают образы беспощадных убийц-победителей, монстров, ни во что не ставящих человеческую жизнь, и образы несчастных поверженных жертв. Современные технические возможности создания спецэффектов помогают воплотить самые необычные художественные замыслы. С помощью компьютера создаются фантастические персонажи, двигающиеся как настоящие актеры, и т. п. Различают такие жанры кинематографа: игровое кино (роли играют артисты), документальное кино, анимация.
Именно кинематограф дает вторую жизнь шедеврам классической музыки. Известно множество киноверсий опер, балетов, мюзиклов, а также мультипликационных фильмов на музыку композиторов-классиков, например, мультфильм «Адажио» Т. Альбинони режиссера Г. Бардина; мультфильм «Времена года» П. Чайковского - режиссера И. Иванова-Вано и др.).
Путь, пройденный искусством кино в XX веке – это путь поисков и экспериментов, творческих взлётов и интересных находок многих талантливых режиссёров. В каждой стране кинематограф развивался по-своему, сохраняя лучшие национальные традиции. Российский кинематограф, получивший всемирное признание (выдающиеся режиссёры – Андрей Тарковский фильмы «Андрей Рублёв», «Иваново детство», Эльдар Рязанов и многие другие) занимает в нём достойное место. Сегодня трудно ответить на вопрос каким будет кинематограф будущего, но ясно одно: этот вид искусства был и останется одним из самых популярных и любимых.
2..Иоганн Себастьян Бах (1685 – 1750) – величайший немецкий композитор. Весь океан европейской музыкальной культуры вытекает из музыки Баха. Все последующие поколения композиторов учились у Баха. Творчество Баха необъятно: он оставил после себя более тысячи произведений. Бах работал во всех существовавших в ту эпоху жанрах, кроме оперы, писал музыку для всех инструментов. Это и органная музыка, и вокально – драматическая (кантаты, оратории), и инструментальная. Это и серьёзная музыка для церкви (токкаты, прелюдии для органа) и лёгкая музыка для отдыха, для развлечения (например, танцевальные сюиты, где один танец следует за другим). Личность Баха –величайшее явление в мировой музыкальной культуре. Он не имел себе равных, не только как композитор, но и как исполнитель-виртуоз музыки на органе. Кроме того, у Баха не было учителей, он всего достиг сам. «Мне пришлось усердно заниматься, кто будет так же усерден, достигнет того же». Судьба гения сложилась печально: не признанный при жизни, после смерти он был забыт почти на сто лет, поэтому можно с уверенностью сказать, что Бах опередил своё время. Исполнение грандиозного вокально-драматического произведения «Страсти по Матфею», через 79 лет после смерти И. С. Баха воскресило интерес к его творчеству. Сейчас И. С. Бах является одним из самых популярных композиторов всех времён (например, в голосовании «Лучший композитор тысячелетия», проведённом на Cultureciosque.com Бах занял первое место).






15

Приложенные файлы

  • doc 18283626
    Размер файла: 338 kB Загрузок: 0

Добавить комментарий