Ответы. Зарубежка


1 Звуковое кино - новый этап в развитии кинематографа.
В ранний период кинематографа звуковое кино пытались создать во множестве стран, но столкнулись с двумя основными проблемами: трудность в синхронизации изображения и звука и недостаточная громкость последнего. Первая проблема была решена путём записи и звука, и изображения на одном и том же носителе, но для решения второй проблемы требовалось изобретение усилителя низкой частоты, что произошло лишь в 1912 году, когда киноязык развился настолько, что отсутствие звука уже не воспринималось как серьёзный недостаток.
В результате патент на ту систему звукового кинематографа, которая впоследствии совершила звуковую революцию, был получен в 1919 году, но кинокомпании не обратили никакого внимания на возможность кино заговорить, желая избежать удорожания стоимости производства и проката кинофильмов и потери иноязычных рынков. Тем не менее 17 сентября 1922 года в Берлине впервые в мире был показан звуковой фильм.[2]В 1925 году компания Warner Brothers, находившаяся в тот момент на грани банкротства, вложилась в рискованный звуковой проект. Уже в 1926 году Warner Brothers выпустила несколько звуковых фильмов, состоящих в основном из музыкальных номеров, но особого успеха у зрителей они не имели. Успех пришёл только с фильмом «Певец джаза», в котором кроме музыкальных номеров Эла Джолсона присутствовали и его короткие реплики. 6 октября 1927 года — день премьеры «Певца Джаза» — принято считать днём рождения звукового кино.
2. Американское кино периода экономического кризиса (1929-1933) и "Великой депрессии".
Определённые изменения в развитии нового искусства произошли и в США. В этой стране кинематограф начинает активно развиваться уже в начале двадцатого столетия. Событием, определившем ход истории американского кино, стал перенос киностолицы из Нью-Йорка в небольшой калифорнийский городок Голливуд. Место с уникальной природой и благоприятным климатом, казалось бы, специально создано для съёмок. Отныне именно там сосредоточилась американская кинематографическая жизнь и Голливуд вышел на первое место по количеству выпускаемых фильмов. Последствия Великой Депрессии сосредоточили кинопроизводство в руках нескольких капиталистов, которые были совершенно не заинтересованы в решении творческих задач, и предпочитали проверенные рецепты успеха, которые в состоянии принести серьёзную прибыль. С этого времени и навсегда Голливуд становится центром коммерческого, продюсерского кино. Кроме значительной роли продюсера, большую самостоятельность получает актёр. Успех голливудского фильма в значительной степени зависит от количества популярных актёров, которые там снимались. В американском кино, всегда откровенно коммерческом и ориентированном на финансовый успех, появлялись ленты, вызывающие восторг и самых обычных зрителей, и требовательных киноведов. Говоря о подобных вершинах американского кинематографа раннего периода, в первую очередь необходимо упомянуть Ч. Чаплина. Уникальный комический актёр, творческая деятельность которого начинается во времена немого кино и заканчивается уже в эпоху звукового цветного кинематографа. В мировую историю кино Чаплин вошёл прежде всего как гениальный комик, мастер пантомимы, создатель запоминающегося образа Бродяги. Ему удалось разработать особую манеру поведения своих персонажей. Позже многие черты этого неповторимого актёрского рисунка будут переняты последователями Чаплина. Благодаря своему неистребимому оптимизму герои Ч. Чаплина символизируют стойкость американского народа в период Великой Депрессии. Творчество замечательного комика не обошла и политика. Так, в фильме «Великий диктатор», вышедшем на экраны в 1940 году, уже во время Второй Мировой войны, Чаплин едко высмеивает Гитлера и тоталитаризм вообще. Почти с самого начала своего существования американское кино стремилось к разработке чёткой системы жанров. Каждый из жанров имеет собственные законы, похожие сюжетные линии, и соответственно, своего зрителя, который и приносит доход. Так, уже на начальном этапе истории Голливуда появляется жанр вестерна – приключенческие фильмы о Диком Западе, сильных и мужественных ковбоях, злобных бандитах и диких (или не очень) индейцах. В этих фильмах всегда присутствует мужественный главный герой, этакий последователь средневекового странствующего рыцаря. Все снимаемые вестерны обладали общими атрибутами: погони, стрельба, красивая природа, благополучный конец фильма. Популяризация американского вестерна повлияла и на киноиндустрию по ту сторону океана. Уже после войны в большом количестве снимаются европейские вестерны. Также интенсивно в Голливуде развивается мюзикл. Жанр музыкального театра, где герои танцуют и поют, утвердился на Бродвее ещё в девятнадцатом веке, а с развитием Голливуда он переносится и в кино. Отличительные черты американского мюзикла раннего периода – лёгкая тематика, заводная, весёлая музыка, красивые герои. Звёздами музыкальной комедии довоенного периода были М. Пикфорд, Ф. Астер, Д. Фербенкс. Впрочем, в послевоенные десятилетия ситуация в Голливуде несколько изменилась. Кино, созданное в строгом соответствии с принятой системой жанров и представляющее собой совокупность однотипных картин, копирующих аналогичные темы и характеры, стало надоедать зрителю и не приносило кинематографистам желаемой прибыли. Подобные неудачи заставили ведущих американских кинопроизводителей больше доверять представителям молодого поколения. Как результат – американский кинематограф становится более разнообразным, возникают картины, имеющие действительную художественную ценность или технично сделанные блокбастеры.
Яркими представителями поколения, создавшими современное массовое кино, являются Мартин Скорсезе, Стивен Спилберг, Джордж Лукас.
3 Ф.Д. Рузвельт, его "Новый курс" и политика в области кинематографа.
Наступил настоящий бум американского кино. Только за один 1938 год было снято 388 кинофильмов, в том числе и до сих пор популярная картина «Унесенные ветром» с Вивьен Ли и Кларком Гейблом, исполнившими роли Скарлетт и Ретта Батлера, и Хэтти Мак-Дэниэл, вдохновенно сыгравшей Мамушку. В 1940 году на экраны страны вышел самый яркий из антифашистских фильмов — «Великий диктатор», ставший одной из наиболее известных работ Чарли Чаплина. А 1 ноября 1941 года на горе Рашмор в Южной Дакоте завершились работы по созданию памятника Джорджу Вашингтону, Аврааму Линкольну, Томасу Джефферсону и Теодору Рузвельту, который попал в столь престижную компанию потому, что два года работал ковбоем на территории Дакоты.
4 Особенности первых звуковых фильмов.
Специфической особенностью немых фильмов является использование титров (интертитров) — текстовых вставок, которые давали пояснения по сюжету, воспроизводили реплики персонажей или даже комментировали происходящее для аудитории. Титры появились в кино не сразу, и функция их со временем существенно менялась. Они использовались как заглавия монтажных частей, как замена звуковой речи, как средство изложения сюжета и связывания отдельных сюжетных фрагментов и так далее. Поначалу фильмы продавались для проката без вмонтированных титров — прокатчик получал только текст, который мог напечатать и вставить в фильм по своему усмотрению (например, перевести титры на другой язык), на плёнке в этом случае начало титра обозначалось косым крестом с номером титра. Со временем титры были осмыслены как эстетически важная часть фильма, они специально оформлялись и организовывались с остальным материалом. Кроме того, титры часто тонировались цветом.
По мере расширения художественных средств немого кино появилась также возможность создавать полнометражные фильмы без интертитров; это было характерно прежде всего для немецкой «камерной драмы», наиболее важным примером которой является фильм Мурнау «Последний человек».
Изобразительные и художественные возможности немого кино были чрезвычайно высоки. Выработался совершенно особый неповторимый стиль общения со зрителем при помощи мимики и жестов. Выразительность движений некоторых актёров немого кино вряд ли может быть превзойдена даже в современном звуковом кино. Кроме того, киносеансы в начале XX века не были полностью беззвучны — обычно показ кино имел музыкальное сопровождение на фортепьяно. Профессия пианиста в кинотеатре называлась «тапёр». Многие мелодии из репертуара тапёров того времени дошли и до нас.
Тем не менее, распространено заблуждение, что немые фильмы были примитивны. Причиной распространения этого заблуждения в середине XX века называют то, что немые фильмы часто тогда демонстрировались на повышенной скорости (например, фильмы, снятые со скоростью 16 кадров в секунду, показывались на скорости 24 кадра в секунду), и то, что большинство сохранившихся немых фильмов оказались в технически плохом состоянии.
В студии « HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/Gaumont" \o "Gaumont" Гомо́н» уже начиная с 1902 года непрерывно экспериментировали в области создания звукового кино. Проблема синхронизации изображения и голоса решалась путем соединения на одной оси сначала кинопроектора и фонографа и затем граммофона[4].
По этому же пути в своих поисках продвигался Чарльз Урбан. Однако сложность создававшихся аппаратов ограничивала сферу их практического применения
5. Массовая кинопродукция. Ее характеристики, стандартизация киножанров.
6. Творчество Ч.С. Чаплина 30-х годов.
Атмосфера в Европе конца 30-х годов была накалена до предела, и произошел прогнозируемый взрыв. Началась вторая мировая война. Чарльз был возмущен тем, как скоро мир забыл о страшных последствиях первой мировой войны. Но еще больше он был раздражен ростом популярности нацистских идей, и укреплением нацистской идеологии.Чаплин презирал фашизм.
В те годы, он еще не знал каким зверским пыткам подвергают нацисты пленников в концлагерях, и фигура Гитлера казалась ему во многом комичной. И Чарльз поставил цель высмеять его, показать нелепость и противоречивость нацистской идеологии. Поступали известия с фронта и Чаплин все больше и больше заражался злобой к фашизму.
С такими чувствами он приступил к съемкам легендарного «Великого диктатора».
США и Англия к тому времени еще не вступили в войну, и в этих странах были сильны пронацистские настроения. За время съемок «Диктатора» Чаплин получил множество писем с угрозами, кино отказывались спонсировать, Чарли умоляли отказаться от фильма, уверяя, что он не будет показан ни в штатах, ни в Англии. Чаплин был зол, он решил сделать фильм во что бы то ни стало.
Он тратил на съемки свои собственные деньги, и был готов сам снимать кинозалы для его показа. Но когда Англия объявила нацистам войну,  а в Европе не осталось такой страны, которая не пострадала бы от фашизма, Чаплина стали засыпать телеграммами «Торопитесь с фильмом, все его ждут».
Гениальный Чаплин оправдал ожидания тех, кому был ненавистен фашизм. «Великий диктатор» блестяще показал абсурдность идеологии нацизма, он вселял веру в победу над ней.Впервые в этом фильме бродяга заговорил, кино стало более жестким, чему отвечала и общественно-политическая обстановка.Заключительная антифашистская речь, которую произнес в «Диктаторе» герой Чаплина, парикмахер еврейского гетто получила широкую популярность вне фильма. Она звучала по радио, ее печатали в прессе и на открытках. Но ее слова были настолько разоблачительны и затрагивали  такие острые социальные проблемы, что они встретили резкое негодование со стороны американских провластных газет. В речи Чаплин касался не только фашизма, но и противоречий, которые присущи, наверное, любому государству.Чаплин был и есть одним из самых бесстрашных и преданных антифашистов. Однажды, когда Америка уже вступила в войну, его пригласили выступать на митинг, посвященный военной поддержке Советскому Союзу. Гитлеровские войска в то время стояли под Москвой, а СССР требовал от союзников открытия второго фронта. Правительство США было заинтересовано оттянуть выполнение просьбы Советского Союза, им было на руку ослабление позиций той и другой стороны. Митинг был направлен на то, чтобы завуалировать эту позицию США, а на словах выразить солидарность с СССР. Чаплин был возмущен. Он знал какие потери несут советские войска, и что такая позиция Америки антигуманна и преступна. В своем выступлении, он поставил единственную цель – говорить правду и быть откровенным.
7. Творчество Д. Форда.
Джон Форд-американский кинорежиссёр и писатель, крупнейший мастер вестерна, единственный в истории обладатель четырёх «Оскаров» за лучшую режиссуру.
В период с 1917 по 1924 год Форд поставил около 50 фильмов. Громкий успех принесла ему лента «Железный конь» (1924), в которой рассказывалось о строительстве в конце 1860-х годов железной дороги Сан-Франциско — Нью-Йорк. Фильм снимался на натуре в Неваде. В массовых сценах участвовало более пяти тысяч статистов. Форд задействовал 2 тысячи лошадей, 10 тысяч техасских быков и 300 бизонов. Перемены в творчестве Форда тесно связаны с изменениями в стране, происшедшими в годы кризиса. Джон открывает Америку простых людей, своих современников. Немалое значение имела для режиссера встреча с Дадли Николсом, по сценариям которого он поставит четырнадцать картин. Первый значительный фильм Николса и Форда — «Потерянный патруль» (1934). Это трагическая история маленького британского отряда, заблудившегося в пустыне и постепенно истребляемого арабами. Критика отметила красочное изображение однообразного пути по пескам, простые характеры солдат, внутреннее драматическое напряжение. Поистине мировую славу Форду принес «Осведомитель» (1935) — экранизация рассказа ирландского писателя О`Флаэрти. Джон добивался этой постановки в течение пяти лет. Ему дали всего 218 тысяч долларов и трехнедельный срок. Итак, Дублин, осень 1922 года.
В 1939 году Джон Форд вернулся к любимому жанру его «Дилижанс», поставленный по рассказу Хейкокса, открыл эру эпического вестерна. Правда, продюсеры долго не давали согласия на этот проект, считая, что вестерн изжил себя. Почти весь фильм дилижанс с пассажирами преследуют индейцы. «Я всегда пытаюсь рассказать о некой человеческой ячейке, группе самых разных людей, которых судьба свела вместе, и они объединились против некой общей опасности», — говорил Форд, добавляя, что ему крайне интересно поведение героев в минуты опасности.
В 1942 году Джон Форд был мобилизован в кинослужбу военно-морского флота. Он снял документальные ленты «Битва за Мидуэй» (1942, премия «Оскар»), «Это наша общая война», «7 декабря» (1943, премия «Оскар») и художественный фильм об американцах в первые дни боевых действий на Филиппинах «Их было не вернуть» (1945). Во время войны Джон получил тяжелое ранение и потерял глаз. В мирное время Форд вернулся к своему любимому жанру. Классической ясности и простоты достигает он в вестерне «Моя дорогая Клементина» (1946). В фильме воссоздан один из легендарных эпизодов биографии шерифа Вайета Ирпа — сражение с бандой Клентона. Разумеется, и последняя картина Форда — «Семь женщин» (1966) — сделана в любимом жанре. До конца жизни он представлялся так «Меня зовут Джон Форд. Я снимаю вестерны».
8. У. Уайлер - мастер экранизаций.
Уильям Уайлер - американский режиссер. Уильям Уайлер родился 1 июля 1902 года.
Молодой режиссер прошел прекрасную школу, научившись строить динамичное экранное действие. В 1928 году выходит первый полнометражный фильм Уайлера «Кто-нибудь из вас видел Келли». Съемки велись на улицах Нью-Йорка, что придало фильму поразительную достоверность. Комедия пользовалась успехом не только в США, но и в Европе. В 1933 году Уайлер получает первую режиссерскую категорию и право выбора сценария. В 1953 году на экраны выходит современная сказка «Римские каникулы» — история о том, как принцесса некоего государства влюбилась в журналиста. День, который они провели вместе в Вечном городе, стал глотком счастья и свободы для них обоих. Режиссер говорил, что его фильм способен пробудить светлые чувства даже в самых черствых душах. Уайлер наконец-то смог осуществить свою давнюю мечту — поставить весь фильм на натуре. Он с такой любовью снимал улицы и площади Рима, словно сам ощущал радость героини, которая впервые почувствовала себя свободной.
Из фильмов 1960-х годов, поставленных Уайлером, лишь мюзикл «Смешная девчонка» (1968) имел коммерческий успех. Уайлер признавался, что он согласился перенести на пленку бродвейский спектакль только потому, что был восхищен актрисой и певицей Барброй Стрейзанд. Несмотря на известную строптивость Стрейзанд, Уайлер быстро нашел с ней общий язык, и их сотрудничество оказалось успешным. Зритель совершенно забывал о некрасивости актрисы, до такой степени привлекателен был созданный ею характер.
Режиссерский почерк Уайлера узнаваем по выразительности и лаконизму кадра, по четкости образов и драматизму действия. Лучшие фильмы Уайлера можно считать «авторскими». Он выбирал сценарий, находил актеров, контролировал все этапы работы. Иными словами, присваивал себе многие функции продюсера. «Я сотрудничаю со всеми самым тесным образом, — пояснял Уайлер. — Со всеми, на всех фазах, над каждым футом фильма, руковожу всем». Поэтому он так часто повторял, что его метод — всего-навсего большой и терпеливый труд. Уильям Уайлер умер 28 июля 1981 года в возрасте 79 лет.
9. Историко-биографические фильмы.
Псевдоисторизм буржуазного исторического фильма проявился уже в период зарождения жанра. Эта его отличительная черта, полностью сохранившаяся и в дальнейшем, обусловлена двумя важнейшими обстоятельствами.
10. Музыкальные фильмы.
Музыка́льный фильм — жанр киноискусства, особенность которого состоит в том, что актёры фильма не только участвуют в диалогах, но и исполняют песни, содержание которых дополняет сюжет. Множество музыкальных фильмов снимается на основе мюзиклов и оперетт. Также музыкальные фильмы часто становятся удобным форматом для профессиональных певцов, приглашённых играть главные роли. К музыкальным также относят фильмы, в которых актёры не поют, а танцуют под музыку, причём эти танцы являются частью сюжета.
Первым в истории музыкальным фильмом был фильм «Певец джаза»11. Гангстерские фильмы.
Гангстерский фильм-поджанр боевика, криминального фильма, рассказывающий об организованной преступности. В большинстве классических примеров этого направления действие происходит в США в 1920-е — 1950-е годы — период расцвета гангстерских группировок. В отличие от так называемых полицейских фильмов, в гангстерской драме главными персонажами выступают не служители правопорядка, а преступники и лидеры криминальных сообществ, что часто приводит к попытке оправдания их действий и романтизации их образа жизни.
классическая эпоха гангстерского фильма в США началась картиной «Подполье» (, 1927 год) и завершилась лентой «Ревущие двадцатые» (1939 год)[2]. Позже о тематике забыли вплоть до триумфа «Крёстного отца» ( HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A4%D1%80%D1%8D%D0%BD%D1%81%D0%B8%D1%81_%D0%A4%D0%BE%D1%80%D0%B4_%D0%9A%D0%BE%D0%BF%D0%BF%D0%BE%D0%BB%D0%B0" \o "Фрэнсис Форд Коппола" Фрэнсис Форд Коппола, 1972 год). Интерес к гангстерскому фильму нарастал одновременно с подъёмом нелегального рынка алкоголя во времена «сухого закона», и достиг своего первого пика популярности в годы Великой депрессии. Период, когда режиссёры начали создавать образы известных преступников под настоящими именами, начался во второй половине ХХ века. Это, например, «Пулемётчик Келли» (Роджер Корман, 1958 год), «Резня в день Святого Валентина» (Роджер Корман, 1967 год), « HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%B8%D0%BB%D0%BB%D0%B8%D0%BD%D0%B4%D0%B6%D0%B5%D1%80_%28%D1%84%D0%B8%D0%BB%D1%8C%D0%BC,_1973%29" \o "Диллинджер (фильм, 1973)" Диллинджер» (Джон Милиус, 1973 год) и другие.
С начала 1970-х годов некоторые специалисты выделяют два направления, в которых стал развиваться гангстерский фильм: ретро-стилизация, часто с комедийным уклоном, с одной стороны, «эстетизация и интеллектуализация» с другой
12. Великие европейцы в Голливуде 30-х годов.
13. Творчество Ф. Капры.
Фритьоф Капра— HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D0%A8%D0%90" \o "США" американский физик австрийского происхождения. Капра участвовал с создании сценария фильма Диспут (фильм) с участием Лив Ульман,
14. Дебют О. Уэллса.
Джордж О́рсон Уэ́ллс — американский кинорежиссёр, актёр, сценарист. Его фильмы отмечены изобретательностью в технических решениях.
Уэллс приехал в Дублин и на последние деньги купил билет на спектакль театра «Гейт». К счастью, среди статистов оказался знакомый студент. Он представил Орсона директору театра, и молодой человек получил первую роль. Здесь выяснилось, что у Уоллса незаурядный актерский талант. После гастролей по Ирландии Уэллс отправился в Испанию. В Севилье он пишет детективы, «два дня в неделю, за триста долларов». Его в равной мере привлекали бои быков (Орсон выступал в роли тореадора под псевдонимом Американец) и писатель Сервантес. Вернувшись в Америку, Уэллс благодаря протекции писателя Торнтона Уайльдера устроился актером в передвижную театральную труппу, а 14 апреля 1936 года в гарлемском театре «Лафайет» состоялась скандальная премьера спектакля «Макбет» в его постановке. Действие трагедии было перенесено на Гаити.
В 1937 году Уэллс вместе с Джоном Хаузменом организует на Бродвее театр «Меркюри». Первый же спектакль «Юлий Цезарь» (персонажи ходили по сцене в военной форме, намекая на режим «потомка цезарей» Бенито Муссолини) вызвал бурю негодования и упреки в чрезмерной смелости обращения с классикой. Сам Уэллс играл роль Брута — интеллигента-либерала в потрепанном пальто.
Уэллс изучал кинотехнику и киноискусство. С особым вниманием он смотрел фильмы выдающихся режиссеров мира, причем некоторые из них шесть-семь раз. Наконец 30 июля 1940 года он приступил к съемкам фильма «Гражданин Кейн». На все основные роли Орсон пригласил актеров театра «Меркюри». Съемки продолжались четыре месяца; затем Уэллс монтировал и озвучивал фильм. В январе «Гражданин Кейн» — режиссерский дебют Уоллса в кино — был закончен.
15. Французский кинематограф 1929-1933 гг.
16.Французское кино периода Народного фронта.
Французский кинематограф занимает исключительное место в мировой культуре в целом. Во Франции были сняты и продемонстрированы первые фильмы, здесь же кино сформировалось как искусство и показало всему миру свое влияние на все формы общественной жизни. Не удивительно, что в такую важную социокультурную сферу окунулись не только кинематографисты, продюсеры, менеджеры, но и художники, поэты, философы, музыканты.
К началу второй мировой войны кинематография Франции была одной из наиболее значительных в капиталистическом мире. Ни в одной стране не было поставлено такого большого количества подлинных произведений киноискусства.
В фильмах этого периода были созданы поэтические образы людей из народа, начиная от старого матроса и заканчивая простым рабочим. Психологическая глубина характеров, достоверность и выразительность обстановки действия, новые объекты отражения действительности, воссоздание мечты и воображения, чистая лирика - подняли французское киноискусство на большую высоту.
Во Франции мировой экономический кризис начался в конце 1920 года несколько позже, чем в других капиталистических странах. Но благодаря появлению звука интерес публики к фильмам сильно возрос. Вся кинематография в то время находилась во власти крупных фирм. Коммерческие фильмы усиленно развлекали зрителей. Основу кинорепертуара составляли низкопробные салонные комедии и мелодрамы, детективы и экзотические драмы. Идейно-художественный уровень фильмов в начале 30-х годов заметно понизился.
Кинематография Франции находилась в упадке.
Но в этот момент происходит перелом; начинается новый период в истории французского кино, период короткого, но бурного расцвета киноискусства.
Возрождение французской кинематографии было тесно связано с движением народа против растущей фашистской опасности и угрозы войны.
Ученые и деятели искусства, были охвачены общим подъемом и активно включились в культурную программу, проводимую руководством Народного фронта. Кинематографисты более смело начали высказывать с экрана идеи социальной справедливости. Этому, несомненно, способствовали перемены, происшедшие в литературе и в театре.
Передовые писатели, режиссеры, художники Франции участвуют в организации Неродного фронта. Особое значение приобретают в это время публицистические жанры: очерк, репортаж и т. д.
Разгром Народного фронта и надвигающаяся война, к которой Франция оказалась трагически неподготовленной, пробуждают в массах настроения пессимизма и обреченности. Эти же настроения подхватывает кинематограф. В 1938—1939 годах беспокойство и отчаяние охватывают большинство мастеров кино, даже тех, кто продолжает верить в непреложные духовные ценности народной души.
17.Фильмы Р. Клера.
Рене Клер— один из самых значительных французских кинорежиссёров 1920-х и 1930-х годов, создатель жанра музыкального фильма, писатель, актёр. Отличительные черты его картин — лиризм и глубокое понимание человеческой психологии в сочетании с юмором на грани буффонады и сатирическим взглядом на общество. Отстаивал независимость французского кинематографа от Голливуда.
В 1923 году Рене Клер пишет сценарий «Волшебный луч» и снимает по нему свой первый фильм — эксцентрическую комедию с фантастическим сюжетом «Париж уснул», в которой нашли место и элементы сатиры. На экраны картина вышла только спустя год, после того, как Клер снял ещё два фильма, и имела шумный успех в среде авангардистов.
Наибольший успех у публики имела картина «Соломенная шляпка» (1927) по пьесе Лабиша и Марк-Мишеля, комедия положений с яркими, гротескными персонажами. Наряду с комедиями, в этот период Рене Клер пробовал снимать и драму — «Добыча ветра» (1926).
Наступление эры звукового кино поначалу привело Клера в замешательство, пока он не пришёл к мысли о возможности использования звука и изображения в качестве взаимодополняющих линий, своего рода контрапункта. Своё видение звукового кино он воплотил в побившей всей рекорды популярности комедии «Под крышами Парижа» (1930), которая считается первым музыкальным фильмом, по крайней мере, в Европе. Не менее успешны были и следующие звуковые ленты Клера — комедия «Миллион» (1931) и гротескная сатира «Свободу нам!» (1932). В 1934 г он снял антифашистский фильм «Последний миллиардер», который был запрещён в Германии и ряде европейских стран, побудив Клера перебраться в США.
Первый американский фильм Клера — «Привидение едет на запад» (1936) — был тепло принят, чего нельзя сказать о трех следующих фильмах, которые были восприняты как чересчур «вольные» по голливудским меркам. Наиболее известна среди них экранизация «Десяти негритят» Агаты Кристи. После войны Клер вернулся во Францию, где снял «Молчание — золото» (1949) и историческую комедию «Большие манёвры» (1955).
Подобно своему младшему современнику Марселю Карне, режиссёр не принял эстетику «новой волны», продолжая следовать однажды избранному направлению. При создании фильмов он всегда ориентировался на массового зрителя, и не мог принять элитарное искусство, не доступное большинству[6]. В 1960 г он был избран в члены Французской академии. Его именем названа кинопремия Французской академии.
18. Ж. Виго - единичное кино.
19. Ж. Ренуар и его киношедевры 30-х годов.
Жан Ренуар (15.09.1894 - 12.02.1979) - французский режиссер.
Талант Ренуара проявился с новой силой в фильме "Сука" (1931), драме из жизни мелкой буржуазии и парижского "дна", где натуралистическое описание нравов сочеталось с изысканностью киноязыка. Соединение жизненного правдоподобия, бытовых деталей с поэтическим восприятием мира и элементами гротеска характеризует такие его фильмы, как "Ночь на перекрестке" (по Ж. Сименону) и "Будю, спасенный из воды" (1932), "Шотар и К°" (1933). Фильм "Мадам Бовари" (по Г. Флоберу, 1934) знаменовал обращение режиссера к традициям французской классической литературы. В фильме "Тони" (1934), изображающем жизнь рабочих-иммигрантов на юге Франции, большинство эпизодов снималось на натуре, при естественном освещении; фильм сопровождался итальянскими и испанскими народными песнями. Правдивые картины народного быта и простота сюжетного построения дали основание считать Ренуара одним из предшественников неореализма в Италии. Народную городскую среду воспроизводил фильм "Преступление господина Ланжа" (1935), затрагивавший тему солидарности рабочих, противостоящих хозяину-капиталисту, хотя эта тема и трактована в фильме в несколько наивном, авантюрно-мелодраматическом духе. Социальной остротой отмечен фильм Ренуара "На дне" (по М. Горькому, 1936), действие которого было перенесено в современную Францию. В это время Ренуар сблизился с движением Народного фронта и руководил постановкой пропагандистского фильма "Жизнь принадлежит нам" (1936, сценарий Р. и П. Вайян-Кутюрье), сделанного по заказу Французской компартии. Идеи народного фронта получили выражение и в самой значительной ленте Ренуара 30-х годов "Великая иллюзия" (1937, сценарий Р. и Ш. Спаак, премия Международного кинофестиваля в Венеции). Герои фильма - французские офицеры, попавшие в немецкий плен во время Первой мировой войны. В фильме сильны антимилитаристские и антибуржуазные мотивы. Фильм "Марсельеза" (1938) воспроизводит один из эпизодов Великой французской революции, трактуя его в духе идей Народного фронта о всенародном единении для борьбы с реакцией. Распад Народного фронта и тревожные события конца 30-х годов усиливают в творчестве Ренуара суровые, пессимистические ноты ("Человек-зверь" по Золя, 1938). Причудливая и тревожная трагикомедия "Правила игры" (1939) проникнута предчувствием военной катастрофы. Особое место в творчестве Ренуара 30-х годов занимает незаконченный фильм "Загородная прогулка" (по Г. Мопассану, 1936, вышел на экран в 1946 году), пронизанный радостно-горьким восприятием природы, жизни и любви.
20.Поэтический реализм М. Карне и Ж. Превера.
Лучшие работы Карне относятся к концу 1930-х — началу 1940-х гг., периоду его сотрудничества с поэтом-сюрреалистом и кинодраматургом Ж. Превером (см. ПРЕВЕР Жак). Начиная с 1938 направление, представленное фильмами Карне — Превера и названное последним «поэтическим реализмом», доминирует в кино Франции, выражая характерное для предвоенных лет ощущение конца эпохи, разочарование в обществе и бессилие личности перед лицом грядущих катаклизмов. Лишь бескорыстная любовь мужчины и женщины, соединенных на короткий миг случаем и тут же разделенных роком, пытается противостоять всеобщему падению и деградации, которое олицетворяют демонические персонажи. Нежность, психологизм, образность, с какими показывается эта любовь, сообщают удивительную достоверность условным сюжетам и персонажам лент «Набережная туманов», «Северный отель» (оба — 1938), «День начинается» (1939). Символом пробуждения человеческого духа, метафорическим вызовом злу становится поставленный в годы оккупации фильм-легенда «Вечерние посетители» (1942). Законченная накануне освобождения картина «Дети райка» (1944), при всей философской глубине и горечи размышлений о судьбе художника, чьи великие победы в искусстве оплачены трагедиями в его реальной жизни, звучит апофеозом человеческому таланту и красоте души.
После прокатной неудачи фильма «Врата ночи» (1946) Карне и Превер расстаются.
21. Ж. Дювивье, особенности его киностиля и его фильмы.
22. Великие актеры золотого века французского кино.
1930-е годы считаются «золотым веком» французского кинематографа. Невероятно вырос авторитет кино. Впервые французским кинематографистам удалось несколько потеснить голливудскую продукцию на европейском кинорынке. Наиболее значимое направление в этот период — поэтический реализм.
22. Операторы, художники, композиторы и их роль в создании киношедовров французского кино 30-х годов.
23 Итальянский неореализм: характеристика направления. авторы, фильмы.
Итальянский неореализм — течение в послевоенном итальянском кинематографе, сложившееся под влиянием поэтического реализма Марселя Карне и Жана Ренуара и достигшее наибольшего размаха с 1945 по 1955 гг. Основные представители течения — Роберто Росселлини, Лукино Висконти, Витторио де Сика, Джузеппе де Сантис — группировались вокруг киножурнала «Cinema», главным редактором которого был Витторио МуссолиниОсновные принципы неореализма -съёмка на природе, естественное освещение, неприукрашенный показ жизни низов.
основные принципы неореализма (съёмка на природе, естественное освещение, неприукрашенный показ жизни низов)
Неореализм стремился с максимально возможной достоверностью создавать образы и воспроизводить атмосферу из жизни рабочего класса и городских низов. Съемка велась не в студии, а на природе. Кинокамера свободно передвигалась с места на место, фиксируя в каждом эпизоде мельчайшие детали. Часто в основу фильма ложилось реально происшедшее событие. Упор делался не на отвлеченные идеи, а на чувства персонажей. Нередко фильм снимался без разработанного сценария, по ходу создавались и менялись диалоги. В съёмках зачастую принимали участие непрофессионалы. В неореалистических лентах отсутствует назидательный элемент; «маленькие люди» показаны с подчёркнутой симпатией, а их проблемы — с состраданием.
Кинематографический стиль, называемый «неореализмом», ассоциируется с левыми (но не экстремистскими) политическими настроениями. И действительно, многие из создателей этих фильмов были эмоционально близки к левому краю политического спектра, включая итальянскую коммунистическую партию (которая, со своей стороны, была в преддверии зарождения новых тенденций, получивших два десятилетия спустя название « HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%95%D0%B2%D1%80%D0%BE%D0%BA%D0%BE%D0%BC%D0%BC%D1%83%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC" \o "Еврокоммунизм" еврокоммунизм» и «коммунизм с человеческим лицом»). По мнению некоторых историков, именно неореализм оказал смягчающее влияние на итальянских коммунистических идеологов и способствовал ослаблению их жёсткого марксистского догматизма и идеологических нравов.
Манифестом нового итальянского кино стал фильм Роберто Росселлини (1906-1977) "Рим - открытый город", пронизанный духом антифашистского единства и пафосом художественного открытия реальной Италии. Первые фильмы неореализма ("Пайза" Р.Росселлини, "Солнце ещё всходит" А.Вергано) черпали сюжеты и образы в движении сопротивления. Следующие - "Трагическая охота", "Горький рис", "Нет мира под оливами", "Рим, 11 часов" Дж. Де Сантиса, "Похитители велосипедов", "Шуша", "Умберто Д" Де Сики, "Земля дрожит" Л.Висконти и др. Рассказывали о проблемах безработицы, нищеты, социальной несправедливости и послевоенной разрухи. Те же проблемы ставились и в неореалистических комедиях типа "Полицейские и воры" Стено и М.Моничелли, "Два гроша надежды" Р.Кастеллани, в сатирической киносказке Де Сики "Чудо в Милане". Но типичные бытовые и даже трагические мотивы получали в них оптимистическое звучание, в духе жизнеутверждающих традиций народного искусства.
24 Творчество Р. Росселлини.
Роберто Росселлини ( HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/8_%D0%BC%D0%B0%D1%8F" \o "8 мая" 8 мая 1906 — 3 июня 1977) — итальянский кинорежиссёр, который положил начало неореализму в кино «военной трилогией», состоящей из фильмов «Рим, открытый город» (1945), « HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%B0%D0%B9%D0%B7%D0%B0_%28%D1%84%D0%B8%D0%BB%D1%8C%D0%BC%29" \o "Пайза (фильм)" Пайза» (1946) и «Германия, год нулевой» (1948).
Родился в Риме в семье преуспевающего архитектора. Отец Росселлини построил первый кинотеатр в Риме, и в детстве Роберто имел неограниченный бесплатный пропуск в кино. В молодости пробовал себя во многих профессиях, имеющих отношение к созданию кинофильмов, и приобрёл большой опыт в различных областях и на различных этапах кинопроизводства. Брат Роберто — Ренцо Росселлини — написал музыку ко многим его фильмам.
Во время Второй мировой войны Росселлини находился в сложном положении. С одной стороны, благодаря протекции своего старого знакомого Витторио Муссолини он продолжал работать в официальной киноиндустрии, с другой — тайно снимал ручной камерой антифашистские репортажи. В 1938 году снял первый документальный, в 1941-м — первый художественный фильм. На исходе войны фактически без сценария и с актёрами-любителями поставил нашумевший фильм «Рим, открытый город», воспринятый как манифест нового, послевоенного европейского кинематографа. С исполнительницей главной роли, Анной Маньяни, у режиссёра завязывается бурный роман.
За «Римом» последовали новые фильмы на военную тему, которая становится основной в творчестве Росселлини, — «Германия, год нулевой», «Генерал Делла Ровере», «В Риме была ночь». В конце 1940-х Росселлини — самый знаменитый режиссёр Италии, если не всей Европы. Могущественный голливудский продюсер Дэвид Селзник приглашает его работать на «Фабрике грёз».
Для телевидения Росселлини снял общеобразовательные фильмы-биографии Людовика XIV, Сократа, Паскаля, Блаженного Августина и Франциска Ассизского, а также 3-серийный фильм об эпохе Лоренцо Великолепного. Новый стиль был впервые опробирован во французском телефильме «Приход Людовика XIV к власти» (1966), применившем художественные принципы неореализма к костюмному кино. Росселлини умер от сердечного приступа в Риме, в 1977 году, в возрасте 71 года.
25 Творчество Ф. Феллини.
Федери́ко Фелли́ни ( HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D1%82%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D1%8F%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D1%8F%D0%B7%D1%8B%D0%BA" \o "Итальянский язык" итал. Federico Fellini; 20 января 1920, Римини — 31 октября 1993, Рим) — итальянский кинорежиссёр. Обладатель пяти премий «Оскар».
Чтобы уклониться от службы в армии, Федерико приходилось симулировать болезни.В 1943 году на одном римском радио звучали забавные передачи о жизни влюблённых — Чико и Полины, написанные Федерико Феллини. Вскоре ему предложили показать эти истории на экране, и Феллини взял на себя постановку. Одной из исполнительниц была очаровательная Джульетта Мазина. Она и стала единственной женой Федерико Феллини. Он называл её своим главным источником вдохновения.
Феллини написал несколько сценариев, например, к фильму Роберто Росселлини « HYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%B0%D0%B9%D0%B7%D0%B0_%28%D1%84%D0%B8%D0%BB%D1%8C%D0%BC%29" \o "Пайза (фильм)" Пайза». Также Феллини снимается в 1948 году у Росселлини в ленте «Любовь».
В 1950 году Федерико ставит свой первый фильм вместе с Альберто Латтуада под названием «Огни варьете». Феллини написал сценарий для нового фильма «Белый шейх» (1952), режиссёром которого должен был стать Антониони, но тот отказался снимать по такому сценарию. Поэтому Феллини снял фильм сам. Успеха этот фильм не имел, но следующие два — «Маменькины сынки» и «Любовь в городе» (оба — 1953 года) были приняты публикой и критиками теплее. «Маменькины сынки» получил премию «Серебряный лев» на Венецианском кинофестивале 1953 года и был номинирован на премию «Оскар» за лучший оригинальный сценарий.

Приложенные файлы

  • docx 15835598
    Размер файла: 54 kB Загрузок: 0

Добавить комментарий